MICHAEL JACKSON 1958-2009

Sin palabras... su música habla por él.

Música!

Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos artistas que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los identifica. Una de esas creadoras es Mercedes Sosa, o Haydee Mercedes Sosa, nacida el 9 de Julio de 1935 en San Miguel de Tucumán.

Conocida como “la Negra”, es considerada una de las mejores voces de todos los tiempos y no sólo aquí en su país sino en los principales centros musicales ya que Mercedes se ha presentado en los estadios y escenarios más grandes y prestigiosos del mundo.

Su voz es profunda y singular, además de su punto fuerte que es la potencia con que afronta los graves. Estas características, sumadas a su timbre oscuro y cálido y su perfecta entonación, la convirtieron en una de las voces más destacadas no sólo de nuestro folklore sino que le han permitido también, abordar con éxito, géneros tan dispares como el rock, el tango y el pop.

En 1950, a los quince años, ganó un concurso musical organizado por una radio de su provincia y la contrataron durante dos meses. Mercedes comenzó su carrera usando un seudónimo: Gladys Osorio.

Simpatizante de Perón en su juventud, apoyó las causas de izquierda a lo largo de su vida. Tras el golde del ’76 se quedó en el país a pesar de la represión y del hecho de que sus discos fueran prohibidos, hasta que en 1979, fue detenida en La Plata, en el mismísimo escenario y el público asistente arrestado. Se exilió entonces en París y después en Madrid. Volvió a la Argentina en 1982, poco después de Malvinas.

Tantos discos, tantos sucesos, tanta presencia a lo largo de estos años hace que no sea una exageración decir que “La Negra” resume toda nuestra identidad nacional en su voz.

Una mirada a esta música para el fin de semana…

Serie de comentarios para "RadioRosario" que conduce Rosario Lufrano de Lunes a Viernes de 06.00 a 08.30 hs en Radio América, AM 1190

Originalmente publicado en el blog del programa:

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Gracias Rosario!

Música!

Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos artistas que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los distingue e identifica. Una de esas creadoras es Madonna.

Maria Louise Ciccone, 51 añitos muy bien llevados, recientemente visitó nuestro país con un éxito asombroso, es cantante, actríz, bailarina y empresaria.

Es muy conocida y referenciada por sus canciones en las que generalmente explora el simbolismo religioso, los temas sexuales y las relaciones controvertidas.

De allí que haya sido tan duramente criticada por el Vaticano en los años '80, pero a la vez, adorada por la comunidad gay de todo el planeta.

Además de sus discos, en 1992 fundó su propia discográfica MAVERICK, publicó un libro titulado SEX al que le siguió el álbum EROTICA y protagonizó la película BODY OF EVIDENCE (el cuerpo del delito)

Todo ello le significó una publicidad negativa que mermó su popularidad y provocó la consiguiente caída en la venta de sus discos. Igualmente su empresa descubría valores como Alanis Morissette que fué éxito de venta en los años '90. Musicalmente, Madonna revivió en 1998 a través del álbum RAY OF LIGHT.

A lo largo de su carrera, participó en 22 películas y aunque la mayoría de ellas no tuvo demasiado suceso, ganó un Globo de Oro por su labor en EVITA de 1996.

Casada y divorciada del actor Sean Penn, Madonna tuvo una hija Lourdes con su personal trainer Carlos León, además de otros dos con su pareja Guy Richie. Uno de esos niños fue adoptado en Malawi. Y por estos días está en busca de otra niña de ese rincón de Africa.

Es la Reina del Pop para muchos y una de las mejores artistas de todos los tiempos para otros. Pero lo cierto es que la industria discográfica de los EE.UU. certificó que Madonna es la artista que más discos ha vendido en ese país en el Siglo XX: 63 millones de copias. Y además, tiene el Record Guinness como la cantante más exitosa de todos los tiempos y la que más dinero ha ganado en el mundo: 490 millones de dólares y 200 millones de discos vendidos en todo el mundo. Por todo esto y porque en definitiva, quién alguna vez aunque sea no tarareó una canción de Madonna, bien vale una mirada a esta música en el fin de semana.

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Música!

Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los distingue e identifica. Uno de esos creadores es Gal Costa.

Nació el 26 de setiembre de 1945 en Salvador, Bahia. María da Graca Pennas es su completo y verdadero nombre. Debutó en 1964 junto a Caetano Veloso, Gilberto Gil y María Bethania.

Los cuatro son fundadores del movimiento Tropicalia surgido en 1968 como una proyección de la bossa nova con la inclusión de rocanrol, fado portugués y ritmos africanos. Pero ella es mucho más que eso ya que a lo largo de todos estos años de carrera -aún vigente- ha explorado todos los géneros de la música de su país, cantando los temas de consagrados artistas como Antonio Carlos Jobim, Ary Barroso, Jorge Ben además de Caetano y Gilberto Gil, convirtiendo cada una de sus interpretaciones en verdaderos clásicos.

Innumerables discos editados y con éxito permanente, Gal es una de las diosas de la canción del Brasil y siempre ha sido recibida con admiración en Argentina.

Una mirada a esta música para el fin de semana...

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Música!

Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los distingue e identifica. Uno de esos creadores es Julio Sosa.

Este uruguayo, nacido en la localidad de Las Piedras, departamento de Canelones, en Uruguay, el 2 de febrero de 1926, se llamaba Julio María Sosa Venturini.

A los doce años ganó un concurso de canto en las afueras de Montevideo con el tango de Gardel y LePera: "Cuesta abajo". Pese a su corta edad ya tenía decidido su futuro: lo atraía el tango.

Poco tiempo después y por su condición de menor de edad, mientras actuaba en Uruguay, utilizó el seudónimo de Alberto Ríos. Se presentaba en radio y en clubes nocturnos. Por entonces, comenzaba a crecer en el ambiente del tango, por lo que era inevitable pensar en Buenos Aires como el lugar ideal para probar fortuna. Varios amigos que confiaban en él no vacilaron en aportar el dinero necesario para el viaje.

El bar "Los Andes" de Jorge Newbery y Córdoba lo contrató y desde allí se empezó a hablar de un "oriental" que cantaba muy bien. Así fue como descubrió el letrista Raúl Hormaza, que inmediatamente lo acercó a Francini y Pontier, quienes no dudaron en sumarlo a su orquesta. Fue así que, de ganar veinte pesos por noche en el café, pasó a los mil doscientos pesos mensuales. Eran los años '50.

En abril de 1953, pasó a la típica de Francisco Rotundo y en junio del '55 ingresó en la de Armando Pontier. A comienzos de 1960, se desvinculó de Pontier decidido a iniciar su etapa solista. Convocó entonces al bandoneonista Leopoldo Federico para que organizara la orquesta que sería su acompañante y con la que comenzó a grabar en 1961, cuando ya estaba firmemente instalado en el gusto popular.

El periodista Ricardo Gaspari, titular del departamento de prensa y promoción de la discográfica fue quien lo bautizó: "El varón del Tango".

Julio tuvo tres convivencias en su corta vida: se casó cuando apenas tenía 16 años con una jovencita uruguaya llamada Aída Acosta. Un año después la pareja decidió separarse. Nueve años más tarde, se unió a Nora Edith Ulfed, con quien tuvo su única hija, Ana María. Años después, su tercera esposa fue Susana Merighi, con quien vivió desde mediados de 1959 hasta su muerte, el 26 de noviembre de 1964 como consecuencia de un accidente automovilístico en la Avda Figueroa Alcorta.

Una mirada a esta música para el fin de semana…



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Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los distingue e identifica. Uno de esos creadores es Eros Ramazzotti.

45 años, nació en el ‘63, lleva 25 de carrera con más de 40 millones de discos vendidos en todo el mundo porque ha sido reconocido como uno de los principales artistas internacionales de habla no inglesa. Lo ayudó mucho el haber cantado junto a Cher, Tina Turner, Andrea Bocelli, Joe Cocker, Laura Pausini, Pavarotti, Ricky Martin y más recientemente Ornella Vanoni, ganando junto a cada uno de ellos diversos mercados.

Tiene una particular voz nasal y en los ‘80 conquistó al público joven italiano con letras consustanciadas con la problemática adolescente.

Nacido en Cinecittá en las afueras de Roma, creció con el sueño de ser cantante.

En la primera mitad de los años ‘80 participó en varios festivales -sin ganar- aunque sí consiguiendo su primer contrato discográfico. Su gran oportunidad llegó en San Remo en 1985, lo que prácticamente lo catapultó al éxito.

Ya en los ‘90 su fama se hizo internacional, incluso visitando nuestro país en varias oportunidades y siempre con éxito.

Lleva 9 discos editados aunque el más éxitoso en Argentina es un doble álbum que reúne sus grandes éxitos. Casado y separado tiene una hija, Aurora, nacida en 1996.

Un poco de música italiana, siempre atrayente para los argentinos, para el fin de semana largo…

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MARIO BENEDETTI (1920-2009)

Mi táctica es mirarte
aprender como sos
quererte como sos

mi táctica es hablarte y escucharte
construir con palabras
un puente indestructible

mi táctica es quedarme en tu recuerdo
no sé cómo ni sé con qué pretexto
pero quedarme en vos

mi táctica es ser franco
y saber que sos franca
y que no nos vendamos simulacros
para que entre los dos no haya telón ni abismos

mi estrategia es en cambio
más profunda y más simple
mi estrategia es que un día cualquiera
no sé cómo ni sé con qué pretexto
por fin me necesites.

Música!

Cada semana homenajeamos a aquellos que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los distingue e identifica a tal punto que todo se referencia a su propio estilo. Y uno de esos creadores es Frank Sinatra. Ayer, 14 de mayo, se cumplieron 11 años de su muerte. En 1998 tenía 82 años... 2 premios Oscar como actor, 11 premios Grammy como cantante, innumerables reconocimientos en todo el mundo por su carrera.
Una imagen muy conectada al crimen organizado que él incluso supo aprovechar, negando siempre a medias cualquier conexión con la Mafia. Pero también ligado al poder político, cambiando incluso de demócrata a republicano, por eso su cercanía tanto a Kennedy como a Nixon y Reagan. Pero más allá de eso, una voz inconfundible, un estilo inigualable. Se lo extraña poco porque las reediciones de sus 59 discos lo mantienen siempre vigente. Y ni hablar de las compilaciones de sus grandes éxitos. Incluso la saga de la película Ocean’s Eleven (2001) lo pone otra vez en primer plano porque es la remake de aquel film que protagonizó con su Rat Pack en 1960: Peter Lawford, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Joey Bishop, siempre junto a Sinatra en los conciertos en Las Vegas y los shows en televisión. Y el público de EE.UU. que deliraba al verlos en escena. A nosotros, más lejos, nos llegaban de a uno. Todos exitosos aunque sin el brillo cegador de un Sinatra insuperable.
Como dice su hija Nancy en el libro que le dedicó: “un hombre, una voz, una vida increíble”.
Una (merecida y reconfortante) mirada a esta música para el fin de semana…


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Música!

Comenzamos estas recorridas musicales de fin de semana con la grata sorpresa que fue descubrir -casi a fines del siglo pasado- un sonido que nos es familiar y cercano por gusto y por la expansión que la propia música cubana tuvo en todo nuestro continente en los años '50.
En este caso es el Buena Vista Social Club.
De la mano del talentoso músico norteamericano Ry Cooder, pudimos reencontrarnos con la música cubana a partir del recuerdo de viejas glorias que amenizaban los clubes de La Habana en los años previos a la Revolución, cuando Cuba era una especie de "balneario top" de los EE.UU.
Allí se formaron fenomenales big bands cuyo repertorio unía todos los estilos del Caribe con el jazz y daba como resultado una espectacular fusión de ritmos y cadencias que se plasmaron en tantas vertientes como artistas fuimos conociendo con los años.
Del bolero a la rumba, del cha cha cha hasta el mambo, todo tenía cabida en la mente de esos músicos que debían matizar las noches de los turistas con una compañía musical que no podía alejarse de los sonidos recurrentes que buscaban los visitantes pero -orgullo mediante- sin perder su propia esencia. Con los años todo aquel glamour se fue perdiendo y aquellos mismos músicos se quedaron sin más público que el del lugar aunque ya sin el eco internacional de sus propuestas. Incluso muchos de esos carísimos hoteles y clubes cerraron quitándoles lugares de reunión y expresión, vitales para cualquier artista. Esa fue la inmensa tarea de Ry Cooder casi 40 años después. Sacar a la luz nuevamente a esos talentos que estuvieron olvidados tanto tiempo. Claro que encontrándonos con personas ya mayores, algunos hasta octogenarios.
Recomiendo especialmente la película que motivó todo esto y registró no solamente la búsqueda de cada uno de ellos sino la reunión y la vuelta al estudio para disfrutar su talento, por primera vez para muchos.
Muchos de ellos ya no están con vida pero gracias al Buena Vista Social Club y sus tantos derivados discográficos y videos, tuvieron su merecido momento de gloria casi al final de su camino, incluso pudiendo pisar importantes escenarios internacionales gracias al tremendo suceso de esta propuesta. Algunos ni imaginados por ellos mismos, como el Carnegie Hall de Nueva York, sorprendiendo a la vez a un público que durante años también se perdió semejante expresión artística.
Una mirada a esta música para el fin de semana…

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Gracias Rosario!

GRACIAS

Sigo recibiendo estas inmensas muestras de afecto y consideración por parte de todos: amigos, compañeros, colegas y familia. Mails, llamadas, mensajes... a veces extensas cartas y otras apenas unas pocas palabras para mostrar que están ahí conmigo. Gracias. Siempre supe que sería así. Me siento orgulloso de merecer tanto cariño. Con muchos de ustedes he compartido trabajo, sueños, alegrías y desdichas. Con muchos habré peleado, discutido, reído y reconciliado. Pero siempre de frente. Cara a cara. Para dar o recibir la peor noticia o la mejor satisfacción. Si hasta eso tiene la Radio. Cruzamos la calle un día y después de alguna temporada de compartir horarios y contarnos hasta los secretos más íntimos -ésos que no le confesaríamos a nadie- nos alejamos como si nos mudáramos a otro país. Para reencontrarnos a veces hasta años después, en alguna otra frecuencia, en cualquier horario y retomar esa amistad como si no se hubiera cortado jamás.

La vida siempre es buena y hasta los malos tragos como éste, nos dejan un calorcito en el corazón como reflejo de tanto abrazo. Porque siento cada una de sus palabras como un fuerte abrazo que reconforta y alivia.

Aspen somos todos nosotros. Los que la hacen día a día, los que quedamos en el camino y sobre todo, los que la tienen encendida en todo momento. Pero también aquellos que la soñaron como oyentes y hoy están allí trabajando, con el sueño cumplido. Son ésos los que deben entender que están siguiendo los pasos de otros que estuvieron antes para hacer una Radio más grande y mejor. Así que no está mal sentirnos heridos ni mucho menos sentir esta verguenza por algo que pasó y que no comprendemos. Porque Aspen es nuestra. Algunos no entienden que el vínculo de la radio trasciende una marca o hasta una persona. Desatinos hubo siempre y no debo ser yo quien califique este proceder como injusto porque alguna razón debe existir. Pero es hora de seguir adelante. Atrás no queda nada. Todo está por venir. Siempre.

FM ASPEN 102.3

Para algunos 20 años no es nada. Sin embargo, permanecer al frente de un micrófono tanto tiempo en una misma frecuencia es motivo de orgullo para muchos otros que -como yo- sentimos la radio y la música de una manera especial.

Comencé a transitar el camino del 102.3 allá por el '88 (por entonces era Láser) y desde el '92 en Aspen. Locutor, Productor, Productor General y hasta Director Artístico de la radio de mis sueños. Después, nuevamente Locutor. Pero siempre con el mismo amor por la camiseta como el primer día. Premios, nominaciones, reconocimientos. La emisora cambió de manos varias veces y cada vez, los nuevos dueños sentían menos apego por el estilo y más interés en los resultados económicos. Por eso: "Aspen Rock", "Aspen Classic", "La Música de los 60, 70, 80 , 90" (y cien!) como solíamos bromear en la radio...

Pero más allá de modas o "inventos" de cada maestrito que llegaba a la dirección de Aspen, lo que evitaba que muchos oyentes huyeran despavoridos ante tanto despropósito fueron las ganas de los que desde adentro, seguíamos sintiendo la radio como propia. Opinando, agregando, quitando, sugiriendo, hablando... comunicando.

Ayer, último día de Marzo, fue mi último día en Aspen. Nadie me dijo por qué. Nadie me explicó nada. Sin aire. Sin micrófono. Cumplí mi turno de 13 a 19 en silencio. Y me despedí de los estudios, las fotos en la pared, la mesa, los diarios, la compu, el mic, también en silencio...

Qué lástima! 20 años son nada.

Paul McCartney

"Amoeba's Secret" es el título de este Extended Play (EP) que da cuenta de una presentación secreta y sorpresiva de Paul McCartney en la disquería Amoeba Music de Los Angeles el 27 de Junio de 2007, pocos días después del lanzamiento del álbum "Memory Almost Full" y una semana más tarde de su cumpleaños número 64.
Habiendo alcanzado la mítica edad que él mismo reflejara tan vívidamente con un tema inolvidable de los Beatles, 40 años después: "Memory Almost Full" nos muestra a un McCartney único a través de un trabajo memorable -para muchos- el mejor después de 30 años como solista y en el que, nuevamente, como al principio de los '70, Paul está al frente de todos los instrumentos.
Como parte de la promoción de su nuevo disco, Paul se presentó en la disquería de Hollywood y cantó, en vivo, frente a los pocos que sabían que estaría allí y los sorprendidos clientes y paseantes que se encontraron de pronto con el ex-Beatle, cara a cara.
De aquel: "Memory Almost Full", el EP tiene dos canciones: "Only Mama Knows" y "That Was Me", también un tema de 1972 a cargo de Wings: "C-Moon".
Originalmente, en Noviembre de 2007 fue lanzada una edición limitada en vinilo y desde Enero de este año 2009 se consigue en CD y para descarga digital.
La baja calidad de la foto de la portada es intencional y tiene que ver con hacerla más parecida al disco pirata que circuló hasta esta edición definitiva y legal. En el reverso puede verse una especie de sopa de letras con detalles de la grabación.
Incluso dos de las canciones incluídas en el EP, estuvieron nominadas para los premios Grammy en la reciente edición 51 del pasado mes de Febrero. Ninguna de ellas ganó aunque McCartney sí se presento esa noche para interpretar el clásico de los Beatles: "I Saw Her Standing There", también incluído en el EP.

MOTOWN 50

Hace 50 años, Detroit estaba dividida por el racismo. Los diarios rechazaban avisos para gente de color y ni siquiera en los autos de policía de la ciudad se permitía la integración. No fue sino hasta la llegada en 1961 de un alcalde nuevo y progresista que se prometió luchar contra la segregación en los barrios y las instituciones públicas de Detroit.
En medio de este imperdonable entorno de fines de los años '50, los proyectos de un joven negro valían muy poco. Berry Gordy Jr. abandonó el boxeo por demasiado violento; renunció a su puesto en la fábrica Ford por demasiado aburrido y fracasó como dueño de una disquería. Como compositor, le vendía temas al cantante Jackie Wilson, aunque aquello no le daba dinero. Además, a los 31 el divorcio lo dejó quebrado, sin trabajo y con tres hijos...
Aún así, el 12 de Enero de 1959, papá y mamá Gordy retiraron 800 dólares de los ahorros familiares y se los prestaron al joven Berry Jr. para que éste iniciara su propia compañía discográfica.
15 años después, Motown Records ya era el mayor negocio de un afro-americano en los EE.UU. además de convertir a Detroit en la Meca de la música donde se creaban estrellas del talento de Diana Ross y Smokey Robinson.
Motown es un ícono de la industria discográfica del mundo y, a pesar de que Gordy vendió su compañia en 1988 por $61 millones de dólares, a los 79 años sigue promocionando y defendiendo los intereses de la empresa que fundó.
Motown lanzó al mundo de la música a inmortales artistas como Marvin Gaye, Michael Jackson y Stevie Wonder, aunque más allá de eso es un símbolo de los logros obtenidos por los negros y una parte fundamental de la imagen internacional de la ciudad de Detroit.
Fue la Motown Records la que editó en discos los discursos del Dr. Martin Luther King por los Derechos Civiles. Fueron los grupos de la Motown, como los Miracles, Martha and the Vandellas y los Temptations los que insistieron para que la soga que dividía al público entre blancos y negros fuera quitada definitivamente.
Y fue la Motown la que le aportó tanta música romántica a través de sus ídolos negros a toda una generación de adolescentes blancos en todo el mundo y sobre todo en los EE.UU. que hasta se puede pensar que muchos de ellos fueron los que votaron por un presidente negro en su país.
50 años de Motown
50 años de Música

Morrissey

En Marzo de 1988, apenas seis meses después del álbum final de los Smiths, Morrissey lanzó su primer trabajo como solista. A partir de allí, tuvo presencia permanente a través de 7 discos hasta 1997. Y aunque siguió con sus presentaciones y giras a lo largo de los '90, luego de varias controversias con algunas de sus canciones Morrissey dejó su casa en Dublín y se marchó a Los Angeles a fines de esa década. Sin embargo, la lucha judicial con Johnny Marr por el 40% de las regalías de los Smiths lo desgastó, al punto que pasarían 7 años antes de volver a editar un álbum. Eso ocurrió en 2004, con la aparición de "You are the Quarry" y a partir de allí una larga sucesión de hits que derivó en la colección de grandes éxitos que vió la luz a comienzos de 2008 y que, además de sus eternos clásicos como "Suedehead" y "Everyday is like Sunday" incluía un par de canciones inéditas que Morrissey tenía listas para un nuevo trabajo de estudio. En mayo del mismo 2008 y a través de internet se supo que Morrissey efectivamente tendría nuevo disco titulado: "Years of Refusal" producido por su amigo y colaborador Jerry Finn pero en Agosto se dió a conocer la noticia de que la salida de este noveno álbum solista del británico -prevista para setiembre- se posponía hasta febrero de 2009 a causa del fallecimiento de Finn y de la necesidad de encontrar distribución en el mercado americano para el nuevo disco. A partir de allí se lanzó como single anticipo el tema: "I'm throwing my arms around Paris". Sin embargo, la espera se acortó por una filtración en internet que permitió conocer el álbum completo a principios de enero de este año. Prácticamente todas las canciones incluídas en el disco ya habían sido presentadas en vivo durante su Greatest Hits Tour de 2007/2008.

Además de su potente y excelente banda, Morrissey -que en mayo cumplirá 50 años- contó con la colaboración de invitados muy especiales: el trompetista Mark Isham, el guitarrista Jeff Beck, la cantante Crissie Hynde. En cuanto a los Smiths, recientemente declaró que le gusta que le sigan preguntando cuándo se reúne la banda aunque piensa que eso está cada vez más lejos y a la vez, muy bien donde está... muy lejos.

Depeche Mode

Casi 3 millones de personas en más de 30 países presenciaron la última gira de Depeche Mode. La banda más influyente de la era post-punk y que lleva más de 100 millones de discos vendidos, estará de regreso a fines de abril con la edición de su nuevo álbum, titulado: "Sounds of the Universe". De allí, se destaca el primer corte: "Wrong" que anticipa la salida de este nuevo trabajo y también de la próxima gira del grupo, que se inicirá en Tel Aviv, el 10 de mayo.

Martin Gore, Dave Gahan, Andy Fletcher nuevamente juntos y celebrando 28 años de exitosa y creativa permanencia en los charts del mundo.

James Taylor

"Covers" es el primer disco de versiones del compositor y cantante americano James Taylor y que, originalmente, fue lanzado a la venta en los EE.UU. el 30 de septiembre de 2008.
El álbum fue grabado durante diez días en enero de 2008 -durante los cuales nunca paró de nevar- en un viejo granero convertido en confortable y moderno estudio de grabación, rodeado por los coloridos y eternos bosques de su estado natal, Massachussets. Taylor nació en Boston, el 12 de marzo de 1948, así que en pocos días más celebra 61 años de vida..
Pero volviendo al disco, lo que James Taylor hizo fue darse el tremendo gusto de volver a trabajar como a comienzos de los años ’70 ya que en ese granero reunió a una docena de músicos-amigos y juntos -y en vivo- grabaron este puñado de canciones.
El sonido lo dice todo: la guitarra de Taylor, sus armonías vocales, los vientos, todo forma parte de un ambiente más que conocido para aquellos que tuvimos la suerte de vivir la ceremonia de abrir un LP, apretando suavemente uno de los bordes de la tapa contra el pecho para sacar el vinilo de su sobre interno de papel… sentir ese aroma que nos inundaba de expectativa por lo que se venía y depositar suavemente la púa sobre el disco. Después… viajar de la mano del artista preferido. En este caso: James Taylor.

Muchas de las canciones incluídas en el nuevo disco, Taylor las cantó una y otra vez por años en sus presentaciones en vivo. En total, se grabaron 20 temas; 12 forman parte de la edición americana y 15 de la internacional que está disponible desde comienzos de este mes de febrero.
Esta diferencia de meses en el lanzamiento del disco, entre septiembre de 2008 en EE.UU. y febrero 2009 en el resto del mundo, le permitió a James Taylor recibir dos nominaciones a los premios Grammy en la ceremonia de este año: como mejor disco vocal pop y mejor performance vocal pop por su versión del clásico: “Wichita Lineman”. En realidad, la elección de las canciones tiene que ver con un sonido que siempre estuvo presente en la música de James Taylor: blue-grass, R&B, un poco de soul, algo de pop… dulce y suave sonido campestre -blanco y negro- el que seguramente llenó sus años de adolescente. Los éxitos que estaban allí mismo cuando él buscaba su lugar en el mundo del espectáculo. En definitiva, los ’60. Los años que siempre están volviendo porque -seguramente- nunca se fueron.

The Annie Lennox Collection

Annie Lennox está ansiosa por regresar a los escenarios luego de que una cirugía liberó un nervio de su columna en agosto pasado y por lo cual debió posponer la salida de su primera recopilación de grandes éxitos.
La cantante declaró: “Tenía el pie izquierdo constantemente dormido pero ya estoy mejor. De todas maneras, me llevará seis meses más la recuperación, aunque debo aprender a vivir con esta dolencia”.
Lennox edita ahora esta colección que incluye una docena de hits de su etapa solista post-Eurythmics y dos temas nuevos: “Patterns of my Life” compuesto por Tom Chaplin de Keane y un cover del tema: “Shining Light” del grupo irlandés ASH. Además, la edición incluye un dvd con los videos de las 14 canciones.

Como dato curioso, la foto de tapa fue tomada por el canadiense Bryan Adams.

Simple Minds

Luego de la exitosa gira de 2008 que los vio tocar frente a más de 250 mil personas en Europa -celebrando sus 30 años con la música y con entradas totalmente agotadas, a lo que se suma la presentación en el concierto de los 90 años de Nelson Mandela en el Hyde Park de Londres- Simple Minds está a punto de dar a conocer su tan anticipado y esperado nuevo álbum, titulado: 'Graffiti Soul', cuya fecha de lanzamiento internacional está fijada para el 25 de Mayo.

Éste décimoquinto álbum de estudio que corona la extensa carrera de la banda escocesa fue pensado, creado y compuesto en diversas ciudades europeas: Roma, Sicilia, Amberes y Glasgow. Además, para este proyecto, Simple Minds regresó por primera vez en casi tres décadas a los famosos estudios Rockfield que los vió grabar sus primeros trabajos.

Producido por Jez Coad y los propios Simple Minds, el nuevo disco fue mezclado en Los Angeles por el legendario Bob Clearmountain, quien ya se había desempeñado con Simple Minds en el álbum multiplatino: 'Once Upon a Time", y cuyos créditos en otros exitosos discos incluyen: 'Born In The USA' de Bruce Springsteen; 'Let's Dance' de David Bowie y 'Avalon' de Roxy Music.

Jim Kerr, líder de la banda, confiesa que: "Graffiti Soul" es una colección de canciones audaz y llena de energía. Estilísticamente, se trata de un verdadero y vibrante álbum de rocanrrol impregnado con las que posiblemente sean las más bailables canciones pop que hayamos escrito en años".

Pero aunque el corazón y el alma de 'Graffiti Soul' sea un sonido actual y moderno, aquel sabor clásico de los Minds se hace evidente desde el principio al fin, incluyendo el espíritu de muchos de sus contemporáneos originales, como: Joy Division, Magazine y The Stranglers.

Con la salida del nuevo disco, Simple Minds estaría a punto de confirmar una nueva y extensa gira mundial con la que podría llegar una vez más a Sudamérica.

Pet Shop Boys

"Yes" es el título del décimo álbum de estudio del dúo inglés de dance electrónico: Pet Shop Boys. El disco fue grabado a lo largo de 2008 y está producido por los propios Neil Tennant y Chris Lowe junto a Brian Higgins y su equipo de producción: Xenomania, grupo que también compuso junto al dúo, tres canciones del álbum. Además, colaboran el guitarrista Johnny Marr, miembro de Smiths, Modest Mouse y The Cribs junto al arreglador de cuerdas Owen Pallett que trabajó junto a los Arcade Fire, The Last Shadow Puppets y Final Fantasy. El lanzamiento en Inglaterra será el 23 de Marzo y el primer corte que anticipa el nuevo álbum de los Pet Shop Boys, es: "Love etc." que estará a la venta como single una semana antes, el 16 de Marzo.

WAR CHILD: "Heroes"

"War Child: Heroes", es una colaboración musical sin precedentes entre las más rutilantes leyendas y los mejores artistas del momento. El proyecto fue solicitar a quince íconos indiscutibles que eligieran una canción preferida de su propio repertorio y que además, determinaran qué nuevo artista les gustaría que creara una interpretación única de ese tema seleccionado. Bob Dylan, Ramones, David Bowie, The Clash, U2, entre otras grandes estrellas tomaron una de sus canciones predilectas y se la entregaron a sus preferidos de hoy, por ejemplo: Beck, The Kooks, Lily Allen y muchos más.

Sir Paul McCartney, también en el proyecto, le pidió a Duffy una versión de su clásico de los años '70 compuesto para la banda sonora de la película del mismo nombre de la saga del agente 007: "Live And Let Die".

La cantante y compositora galesa de sólo 24 años Aimeé Ann Duffy, más conocida simplemente como Duffy, parece estar iniciando un prometedor 2009. Ya cautivó al público del mundo con su hermosa voz y su atrapante personalidad y aunque tiene un solo álbum de estudio en su haber: "Rockferry" la cantante ya ganó tres prestigiosos reconocimientos así como una docena de notables nominaciones. Duffy se llevó el premio MOBO por su hit single: "Mercy", así como también se alzó con un prestigioso Q Award en el rubro Revelación y, más recientemente, conquistó un Grammy por Mejor Album Vocal Pop.

Con semejante suceso, es estimulante ver a Duffy usar ese reconocimiento internacional para ayudar a los niños del mundo. Ella se unió a War Child, una organización sin fines de lucro que trabaja con chicos afectados por la guerra en Irak, Afganistán, Congo y Uganda. Esta obra de caridad está dirigida a los niños que han sido alcanzados por la pobreza, los conflictos bélicos y la exclusión social. El extraordinario trabajo que realiza War Child con chicos que fueron usados como soldados, con chicos de la calle y chicos en prisión ha ayudado a miles de ellos que de otra manera no hubieran podido reintegrarse a sus comunidades, tener acceso a la educación o disfrutar de una vida normal.

Se puede comprar el álbum o hacer una donación en http://www.warchild.org.uk/.