lunes, 29 de diciembre de 2014

Amigos: A partir del primer día de 2015, comenzarán a emitirse los microprogramas: "Letra y Música" en Planet FM 99.5 Pinamar, donde -una vez más- estaré haciendo temporada de verano.
Será un recorrido por las mas emblemáticas canciones de las últimas décadas intentando explicar cómo y por qué fueron hechas.
Desde ya, les agradezco la gentileza de escuchar y les comunico la creación de un nuevo blog que pretende ser una extensión del aire:

letraymusicafm.blogspot.com 



La dirección de la radio para escucharla desde cualquier lugar del mundo:

planetmusic.fm


sábado, 31 de agosto de 2013

 

Fallecimiento del locutor Raúl Horacio Maurette

En el día de la fecha (Martes 27 de Agosto de 2013) a la edad de 70 años falleció el locutor Raúl Horacio Maurette. De dilatada actuación en emisoras de Capital Federal, entre ellas Radio Rivadavia, Continental, Mitre y otras. Fue principal figura en los comienzos de LS10 Radio del Plata, en la que ocupó el cargo de director artístico. En 1989 se radicó en Mar del Plata actuando en LU6 Radio Atlántica, y LU9 Radio Mar del Plata; realizando programas de gran éxito como "El Puente", y "El Laberinto". También incursionó como escritor, y fue el gestor de gran cantidad de programas radiales. Fue directivo de la Sociedad Argentina de Locutores, Seccional Mar del Plata, durante tres períodos, acogiéndose a la jubilación en el mes de junio de 2011, cuando era locutor de Canal 10 de Mar del Plata.

LA SECCIONAL MAR DEL PLATA DE SAL, HACE LLEGAR UN FRATERNAL ABRAZO A SUS FAMILIARES, ESPECIALMENTE A SU SEÑORA ESPOSA, COMPAÑERA LOCUTORA CRISTINA VECHIONE, A QUIEN ACOMPAÑAMOS CON PROFUNDO SENTIMIENTO. 
ALBERTO SOLARI- SECRETARIO GENERAL
El informe del Cro. de SAL nos deja con la mirada perdida en la pantalla de la computadora.  Como siempre, terminamos explicando quién era el que se fue para entender quienes somos los que quedamos. HM era un locutor del carajo. De esos que uno quiere imitar, inevitablemente.
Por estilo, por voz, por talento. Un capo. Como otros tantos que nos enseñaron todo. Algunos de lejos, escuchándolos y otros de cerca, sentaditos al lado.                                                   
Qué lástima que se vayan así, casi pidiendo permiso para no joder... con tanto infelíz que nos arruina la oreja diaramente!
Perdón por la bronca pero es que ya me hincha las pelotas la ley de medios que se caga en nosotros, los martín fierro (si, en minúscula) de compromiso para la radio, los sueldos miserables, las deplorables condiciones de trabajo y el deterioro de la profesionalidad ante la invasión de "institutos habilitantes".
Somos muchos (sino todos) los que nos metimos al ISER gracias a tipos como éste.

domingo, 13 de marzo de 2011

ADELE


Adele Laurie Blue Adkins, más conocida como Adele, llegó al mundo de la música de una manera honesta: en 2006, la discográfica británica de moda XL Recordings, la contrató luego de escuchar un demo de tres canciones que un amigo de la cantante posteó en MySpace.
En los siguientes dos años, fue elegida por los críticos para ganar los Brit Awards y rotulada por la BBC como el "Sonido de 2008". Un año más tarde, no sólo derrotó a los Jonas Brothers y Duffy como mejor artista nuevo en los Grammy, sino que inició su gira mundial para presentar su álbum debut "19" con un show de localidades agotadas en el célebre Hollywood Bowl de Los Angeles. Ese álbum de 2008 vendió casi 2 millones y medio de copias en todo el mundo y convirtió a esta flamante graduada de la escuela de artes de Londres en una de las más brillantes estrellas del pop inglés. Adele confiesa que la mayor inspiración para hacer "21" vino del country y la música nativa que solía escuchar mientras realizaba sus shows en EE.UU. destacando a Lady Antebellum y Wanda Jackson como sus principales influencias. Casi todas las letras de las canciones del nuevo disco refieren a la única decepción amorosa que sufrió entre "19" y "21", especialmente la íntima: "Someone Like You". Según su manager londinense, Jonathan Dickins, esa certeza emocional es lo que la catapultó al éxito: "uno cree cada palabra que sale de la boca de Adele". También hay un sentido de libertad que se deja oir en todo el disco. Este nuevo y sólido trabajo de la joven cantante salió a la venta en los EE.UU. el pasado 22 de febrero a través del sello Columbia Records. Creado por un dream team internacional integrado por compositores y productores de primera línea como Rick Rubin, Paul Epworth, Ryan Tedder y Francis "Eg" White, el álbum profundiza el delicado sonido folk y soul del anterior "19" cuyos cortes "Chasing Pavements" y "Hometown Glory" marcaron el suceso de Adele. Aquí encontramos poderosos giros disco-gospel, marcados blues y R&B al estilo de los '70s.
El primer corte extraído de este flamante trabajo es el single: "Rolling In the Deep" que debutó en el No 2 del chart inglés, en medio de las novedades de Britney Spears con "Hold It Against Me" -#3- y Bruno Mars con "Grenade"-#1-
La última vez que un artista logró colocar en el Top 5 dos singles y dos álbumes al mismo tiempo en los chart británicos fue en Enero de 1964. Aquel año Los Beatles ocupaban los dos primeros lugares de la lista de álbumes con: "With The Beatles" y Please Please Me. Además, eran #2 y #5 respectivamente con los singles: "I Want To Hold Your Hand" y "She Loves You".
El primer single de "21": "Rolling In The Deep", que debutó en el #2 el mes pasado, sube esta semana del 5 al 4. Y también, el cover de Adele del tema de Bob Dylan: "Make You Feel My Love" del mismo álbum, trepa del 25 al 24 en su semana 28 en el chart.
Al tiempo que su álbum "21" comienza su cuarta semana en la cima de la lista de álbumes, su anterior "19" escala del sexto al cuarto lugar.

domingo, 22 de agosto de 2010

Hugo Guerrero Marthineitz 1924-2010






Nació en Lima, Perú, el 11 de agosto de 1924. Fue un locutor que realizó casi toda su exitosa y extensa carrera en Argentina, donde fue reconocido como uno de los más innovadores en el medio radial. Censurado en varias ocasiones tanto por gobiernos militares como democráticos, Marthineitz -al que se lo llamó «el peruano parlanchín»- comenzó su carrera en Perú continuando en Chile y Uruguay, pero fue en Argentina donde se convirtió en un locutor famoso y admirado por su particular voz grave y su uso de los silencios. Creó éxitos memorables como: "El Club de los Discómanos"; "Splendid Show" y "El Show del Minuto", sin embargo, su programa más exitoso fue en TV y se llamó: "A Solas". Consistía en entrevistas íntimas a celebridades y personalidades, donde preguntaba sobre todos los temas incluso sexuales, considerados muchas veces tabú por los gobiernos y hasta por la sociedad argentina. Junto a Cacho Fontana, Héctor Larrea y Antonio Carrizo, integra el grupo de los mejores y más reconocidos locutores de radio de la Argentina de las últimas décadas. En 1987 fue galardonado con dos premios Konex en el rubro Comunicación-Periodismo: «Premio Konex de Platino Radial» y «Diploma al Mérito Radial». Como escritor publicó: "De hastío, los gatos y los días" en 1976; "Señoras y Señores, toda esta gente" y "Pasto de Sueños" en 1996. En 2000 se le diagnosticó cáncer de vejiga, que venció exitosamente. En 2007 recibió el Premio Éter a la trayectoria. En su vejez vivió con mínimos ingresos, al borde la indigencia, con la ayuda proporcionada por sus tres hijos —María Gabriela (1963), Diego (1966) y Hugo (1982)—, en un departamento de Buenos Aires del que finalmente fue desalojado en 2009. En septiembre de 2009, el periodista Mauro Viale lo contrató para participar en su programa en Radio Rivadavia. Pero el 7 de mayo de 2010, pelearon a puñetazos en la puerta de la radio, porque Guerrero sostenía que nunca le pagaron un centavo de su sueldo (reclamaba 7000 pesos). Viale le pegó un bofetón, que envió a Guerrero Marthineiz al suelo, desmayado. En julio de 2010 fue internado en un hospital neuropsiquiátrico en estado de desnutrición.



En la mañana del sábado 21 de agosto de 2010, víctima de un paro cardiorrespiratorio, Guerrero Marthineitz falleció a los 86 años en la Hospital de Clínicas de la ciudad de Buenos Aires.

viernes, 20 de noviembre de 2009

Música!


Cada viernes, recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana.

Hoy vamos a hacer memoria para recordar tantos éxitos surgidos del Festival de San Remo.

El Festival de la Canción de San Remo comenzó en el año 1951. Se celebra anualmente en el Teatro Ariston de San Remo (originalmente la sede del festival era el Casino de San Remo), normalmente entre finales de febrero y comienzos de marzo. Con el transcurso de los años, ha cambiado a menudo su fórmula, pero básicamente se trata de una competencia en la que intérpretes de canciones originales e inéditas, compuestas por autores italianos, reciben votos por parte del jurado y del público. Además, el Festival ha servido de inspiración para otro evento musical que involucra a toda Europa: Eurovisión. En las primeras décadas, la temática del Festival era que cada canción fuera interpretada por dos cantantes o agrupaciones, cada uno utilizando su propio estilo y arreglos orquestales, centrando la idea de que se trataba de un concurso de compositores y no de intérpretes. Durante esos años era costumbre que una versión estuviera a cargo de un artista italiano y la otra fuera interpretada por un artista internacional. El Festival lanzó a la fama una gran cantidad de muy famosas y reconocidas voces de Italia, como: Andrea Bocelli, Giorgia, Mietta, Laura Pausini y Eros Ramazzotti. A partir de San Remo surgieron otros que nunca llegaron a opacar su brillo: Canzonissima, Cantagiri, Festivalbar y tantos más. Por otra parte, a lo largo de los años, San Remo se ha convertido en uno de los principales eventos mediáticos de la televisión italiana, que no para de producir debates y polémicas en todas sus ediciones. La próxima -2010- será la número 60!

Una mirada a esta música para el fin de semana...



viernes, 13 de noviembre de 2009

Música!


Como cada viernes, recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana.
Hoy: Ray Charles.

Nacido el 23 de septiembre de 1930, este cantante y pianista de soul, R&B y jazz, de Georgia (EEUU), nació y se crió en Albany y perdió la vista durante su infancia a causa de un glaucoma. Fue autodidacta del piano pero también recibió clases de música en braille cuando era chico. Paralelamente, tuvo que ganarse la vida como músico cuando fallecieron sus padres.
A finales de los años '40, Ray Charles consigue colocar un disco en las listas de su país y en 1951 obtiene su primer Top Ten, gracias al hit: "Baby, Let Me Hold Your Hand".
Fue criticado por cantar canciones gospel con letras populares, aunque hay una gran tradición en los EE.UU., de poner letras religiosas a canciones populares. Después de una aparición en el Newport Jazz Festival logró un éxito importante en 1959 con su canción más popular: "What'd I Say". La esencia de esta fase de su carrera se puede escuchar en su álbum en vivo Ray Charles en Persona, grabado ante una gran audiencia afroamericana en Atlanta aquel mismo año.
Charles comenzó a ir más allá de los límites de su síntesis blues-gospel mientras seguía con Atlantic que ahora lo llamaba El Genio. Grabó con muchas orquestas y muchos artistas de Jazz como Milt Jackson e incluso hizo su primer cover de música country. Luego cambió de discográfica al mudarse a ABC Records. Allí, Charles tuvo mucho control sobre su música y extendió su enfoque no en proyectos laterales experimentales sino con música pop, dando como resultado la canción "Unchain My Heart" y el número 1 en los listados de Billboard, "Hit the Road, Jack". Ya en 1962, sorprendió a su nueva audiencia extranjera con el importante álbum: "Modern Sounds in Country and Western Music", que incluye los temas "I Can't Stop Loving You" y "You Don't Know Me". A éste le siguió una serie de éxitos, incluyendo "You Are My Sunshine", "Crying Time", "Busted" y "Unchain My Heart".
En 1961, Charles había cancelado un concierto programado en el Bell Auditorium en Augusta (Georgia) para protestar por las ubicaciones segregadas. Y en 1965 fue arrestado por posesión de heroína, droga a la que fue adicto durante 17 años. Aquel fue su tercer arresto por el delito, pero pudo evitar ir a prisión después de dejar el hábito en una clínica en Los Ángeles. Pasó un año en libertad condicional y siguió trabajando.
Después de 1970, Charles cristalizó lo que sería un éxito o su fracaso, con algunos éxitos populares y trabajos aclamados por la crítica y alguna otra música que fue desechada por tildarse como copia. Se concentró entonces en espectáculos en vivo, aunque su versión de "Georgia on My Mind", una canción originalmente escrita para una chica llamada Georgia, fue un éxito y de inmediato proclamada como la canción por excelencia de Georgia el 24 de abril de 1979, con la aparición de Charles en el piso de la legislatura del estado.
En 1980 Charles hizo una breve aparición en la película de los Blues Brothers. En 1986 colaboró con Billy Joel en "Baby Grand" para el álbum: "The Bridge" y también participó en U. S. A. for África junto a Michael Jackson y otros grandes del pop de los EE.UU. También apareció muchas veces en la célebre serie The Nanny, de gran éxito en Argentina.
Los años '80 y '90 acrecentaron la popularidad de Ray Charles en todo el mundo.
En 2004 Charles realizó un álbum de duetos: "Genius Loves Company", que tuvo varias nominaciones a los premios Grammy. Con ese trabajo ganó en las categorías Mejor Álbum del Año y Canción del Año por su dúo con Norah Jones: "Here We Go Again".
Ray Charles falleció a la edad de 73 años, el 10 de junio de 2004 en su casa de California. Sus restos se encuentran en el Cementerio Inglewood Park de Los Ángeles, California.
Ese mismo año 2004 se estrenó la película Ray que narra toda su vida. El film ganó 2 Oscars, incluyendo Mejor Actor y Mejor Banda Sonora y además, estuvo nominada a mejor película. Desde su muerte se han seguido editando recopilaciones e incluso se grabaron algunas canciones por el artista inéditas para el disco de la película. También se ha publicado su autobiografía titulada Brother Ray, que narra su vida de la manera más cercana a la realidad posible.
Entre todos los cantantes de R&B, Charles ha sido reconocido como el mejor cantante masculino y como la segunda mejor voz de todos los tiempos, sólo superado por Aretha Franklin.

Una mirada a esta música para el fin de semana...

sábado, 7 de noviembre de 2009

Música!


Les Luthiers: Origen y Trayectoria

A comienzos de los años 60, se desarrollaba en la Argentina una intensa actividad coral universitaria. Todos los años se realizaban festivales corales nacionales, cuya sede iba rotando entre distintas ciudades. Duraban una semana y representaban un importante acontecimiento cultural.
En 1965, el joven arquitecto Gerardo Masana, quien cantaba en el coro de la facultad de Ingeniería de la Universidad de Buenos Aires, compuso la Cantata Modatón, cuya letra estaba basada en el prospecto de un laxante.
La idea era estrenar esa obra en el encuentro que se realizaría ese año en la ciudad de Tucumán, como parte de las humoradas informales que solían hacer los estudiantes para amenizar el cierre de los festivales. Se trataba de divertir a la audiencia con la parodia de una cantata al estilo de Johann Sebastian Bach, interpretada por solistas, coro y una orquesta de exóticos instrumentos construidos por los mismos estudiantes.
La Cantata Modatón –que más adelante pasaría a llamarse Laxatón- reunió por primera vez en un escenario a cinco futuros integrantes de Les Luthiers: Marcos Mundstock, Daniel Rabinovich, Carlos Núñez Cortés, Jorge Maronna –de sólo 17 años- y Gerardo Masana, autor e impulsor del proyecto.
El éxito fue rotundo; nadie esperaba semejante despliegue de originalidad y talento en un festival amateur. La revista Confirmado publicó un artículo donde resaltó a la Cantata Laxatón como el hecho más destacado del festival.
Poco después, un periodista les ofreció contactarlos con el dueño de un teatro para realizar una serie de funciones. Pero para eso, necesitaban un nombre. Optaron por I Musicisti, parodiando al conjunto barroco italiano I Musici.
¿Música? Sí, claro, fue el título del primer espectáculo de I Musicisti, estrenado en 1966. El mismo fue decisivo para que, poco después, el grupo pudiera ser aceptado en la programación del célebre Instituto Di Tella, un centro cultural de vanguardia cuyas obras, llamadas a revolucionar las concepciones artísticas de la época, causaban una gran polémica.
El nuevo espectáculo se bautizó IMYLOH (I Musicisti y las óperas históricas). La repercusión fue notoria, tanto entre la crítica especializada como entre el público. Pero una serie de desacuerdos entre los integrantes del grupo, motivaron que en septiembre de 1967 Masana decidiera separarse, llevándose sus partituras y sus instrumentos. Inmediatamente se fueron con él Mundstock, Rabinovich y Maronna. Carlos Núñez Cortés se les sumaría un año y medio más tarde. (Haga un click aquí para leer la historia de I Musicisti tras la escisión).
Por sugerencia de Maronna, los “disidentes” adoptaron el nombre de Les Luthiers, y volvieron al Di Tella en noviembre de ese año, con el show Les Luthiers cuentan la ópera.
A fines de 1969 se sumó al grupo Carlos López Puccio. Les Luthiers adquirió así su conformación definitiva, que sólo se vería alterada por el paso de Ernesto Acher (quien se incorporó en 1971 y se retiró en 1986) y el fallecimiento de Masana, en noviembre de 1973 (con tan solo 36 años), producto de una enfermedad terminal.
Su desaparición fue un duro golpe para los luthiers. Hasta el día de hoy, en todos los programas de mano de los espectáculos del conjunto se lee: “Fundado por Gerardo Masana en 1967”.
Los años 70 fueron sumamente prolíficos para el conjunto: lanzaron cinco discos, presentaron diez espectáculos, y realizaron giras internacionales que los llevaron a Uruguay, Venezuela, España, México, Chile y Brasil, país en que presentaron un show traducido al portugués.
Los logros continuaron durante los años 80. Les Luthiers siguió sumando países a sus giras, tales como Colombia, Paraguay, Perú, Cuba, Israel y Ecuador.
En esta década el conjunto realizó además tres funciones inolvidables. La primera (1980) tuvo lugar en el Lincoln Center de Nueva York, con un espectáculo traducido al inglés.
La segunda –tal vez la más memorable- fue el 11 de agosto de 1986, día en que se presentaron en el Teatro Colón de Buenos Aires, uno de los grandes templos de la lírica mundial, lo que significó un importante reconocimiento a la trayectoria del grupo. Y dos años más tarde, el 26 de diciembre de 1988, con motivo de la celebración de los cinco años de la recuperación de la democracia en la Argentina, realizaron una actuación sobre un enorme escenario montado en las avenidas 9 de Julio y Libertador, ante más de 50.000 personas.
En 1995 asumió la representación del conjunto Lino Patalano, un reconocido productor artístico, manager de destacadas figuras, como el bailarín Julio Bocca y la actriz Norma Aleandro. Patalano dio un renovado impulso a la proyección internacional de Les Luthiers. Como consecuencia, el grupo intensificó sus giras por España y las principales capitales latinoamericanas.
El 21 de agosto de 2000 Les Luthiers volvió al Teatro Colón, con una función a beneficio del Collegium Musicum de Buenos Aires, acompañado por la Camerata Bariloche, con la que posteriormente presentaron otro espectáculo, El grosso concerto.
La abrumadora demanda de entradas de Les Luthiers en la Argentina hizo que en 2004, el conjunto buscara un lugar de mayores dimensiones para sus temporadas en Buenos Aires. Así, cambiaron al Teatro Coliseo, que fue su “sede” durante casi 30 años, por el Gran Rex, con capacidad para 3.300 espectadores (casi 1.500 más que el Coliseo). La reacción del público superó las expectativas: Ese año hicieron 43 funciones.
En enero de 2005, el grupo se presentó en el 45° Festival Nacional de Folclore de Cosquín, en la provincia argentina de Córdoba. Allí, 11.000 espectadores celebraron y aplaudieron el repertorio folclórico que Les Luthiers preparó para esa ocasión; fue otra función inolvidable para todos sus integrantes.
(info de la página web de les luthiers)

Un poco de estos genios para el fin de semana...

viernes, 23 de octubre de 2009

Música!


Como cada viernes, recomendamos algo de música para disfrutar el fin de semana.
Y hoy, nos enfocamos en una época maravillosa para cuarentones, cincuentones, sesentones, etc. pero además para todos aquellos "menores" que la ligaron de rebote porque estas canciones han permanecido inalterables al paso de los años.
Si, nos referimos a aquellos artistas y temas que acompañaron nuestra adolescencia y más, a través de su música bonachona, inocente, divertida... Ésas canciones reflejaban nuestras ganas de vivir a toda velocidad (pero con el cinturón de seguridad puesto, eh!). Éramos medio bobos, no? Es que había mucho más respeto por cosas que ahora ni siquiera se les pasa por la cabeza a nuestros chicos. Tal vez pensando un poco mejor uno pueda reconocer que esa falta de límites de hoy... también es culpa nuestra! Bueh, daría para un debate largo.
Pero tenemos todo el fin de semana para sentirnos cada uno Isidoro o Cachorra en Mau Mau disfrutando una vida sin problemas, sin culpas, sin horarios, sin más responsabilidad que volver a casa a una hora "decente" y saber que ante cualquier peligro, papá y mamá resuelven todo!
Quién pudiera volver a aquellas camisas floreadas, vaqueros pata de elefante. cinturones anchísimos, colgantes de todo tipo y para ellas: minishorts, capelinas, largas botas blancas o esas plataformas de corcho que se subían por escalera... ja ja. A su tiempo la moda reinventará todo otra vez.
Un poco de esa música para el fin de semana:
1- Rubén Mattos (Salta Pequeña Langosta - Que La Dejen Ir Al Baile Sola)
2- Los Iracundos (Puerto Montt - Va Cayendo Una Lágrima)
3- La Joven Guardia (Comprador de Amaneceres - El Extraño del Pelo Largo)
4- El Club Del Clan (Todo: Palito, Violeta, Lalo Fransen, Jolly Land, Johnny Tedesco, Nicky Jones)
5- Sergio Denis (Te llamo Para Despedirme - Cada Vez Que Sale El Sol)
6- Banana (Negra, No Te Vayas De Mi Lado - Conociéndote)
7- Industria Nacional (Un Día de Paseo en Santa Fe - La Tarde Que Te Amé)
8- Salvatore Adamo (Mis Manos En Tu Cintura - Un Mechón De Tus Cabellos)
9- Los Náufragos (Zapatos Rotos - Yo En Mi Casa Y Ella En El Bar)
Y mucho más, por supuesto: Raphael, Sandro, Rita Pavone, Leonardo Favio, Peret, Nicola Di Bari, etc, etc, etc.

viernes, 16 de octubre de 2009

Música!



Pet Shop Boys ha vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo. Desde 1986, 40 de sus singles han alcanzado el Top 20 y 22 el Top 10 en Inglaterra y está considerado como el mejor dúo en toda la historia de la musica Pop, no sólo por los éxitos obtenidos tanto en ventas y puestos en los charts de mayor prestigio del mundo sino también por su alto nivel compositivo y vanguardista en cada uno de sus discos y presentaciones en vivo.
Los Pet Shop Boys, no solamente componen para sí mismos, sino que colaboran frecuentemente con otros artistas tanto en la producción, composición y remezcla de temas. Una de las características mas elocuentes con la que se los puede identificar es la imagen que han sabido mantener por años y que han ido renovando a través del tiempo. Si bien en las primeras presentaciones no poseían un look muy definido, cuando empezaron a adquirir fama internacional y mayor protagonismo en la televisión, el dúo adoptó una imagen más acorde a sus personalidades individuales: Neil Tennant siempre vestido de manera elegante y sobria, mientras que su compañero Chris Lowe usando atuendos a la moda casual, con su eterna gorra de béisbol y anteojos de sol. Ya con la decisión tomada de los roles que cada uno de los integrantes iba a cumplir en Pet Shop Boys, Neil Tennant se colocó al frente mientras que Lowe se ponía en un segundo plano, mas silencioso y pasando casi desapercibido. Desde los primeros años en los cuales Pet Shop Boys adquirió notoriedad mundial, comenzaron a colaborar con prestigiosos artistas ya consagrados como es el caso de Liza Minelli, Dusty Springfield, Boy George, Blur, Suede, Kylie Minogue, Robbie Williams, David Bowie, The Killers, Yoko Ono, Madonna, Tina Turner.

Una mirada a esta música en el fin de semana...

domingo, 11 de octubre de 2009

Luis Aguilé 1936-2009

Cuando Salí de Cuba, Mi Pueblo Es Asi, Olvidemos El Mañana, Infiel, Señor Presidente, Hoy Es Tu Cumpleaños, Camarero Champagne, Declaración de Amor a Buenos Aires, Ven a Mi Casa Esta Navidad, Cartas de Amor, En El Amor, Embustero y Bailarín, Soy Laburante, El Frescales, Con Amor o Sin Amor, El Tío Calambres, Amor de Flacos... y tantas otras, impedirán que se te olvide.

viernes, 9 de octubre de 2009

John Lennon cumpliría hoy 69 años


A dream you dream alone is only a dream.
A dream you dream together is reality.
John Lennon.

Juan Carlos Mareco "Pinocho" 1926-2009


"Un día fui a Córdoba a trabajar, para un Instituto de niños ciegos (habrá cosas conmovedoras... ¡pero un chiquito ciego!) Los divertí lo mejor que pude. Los chicos me rodearon y se pusieron a cantarme, ellos a mí, canciones mías, de las primeras. Y yo lloraba. Ellos no me veían, claro. Cuando subí al ómnibus ya estaba convencido de que la misión mía era ésa: entretener a los que les hacen falta sonrisas".

viernes, 2 de octubre de 2009

Música!


Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos artistas que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los identifica. Hoy: Stevie Wonder.
Stevland Judkins nació prematuramente el 13 de Mayo de 1950, en Míchigan, EE.UU., lo que le provocó la ceguera por el tiempo transcurrido en la incubadora. Sus padres murieron cuando era niño. Fue adoptado y recibió un nuevo nombre Steveland Morris. Aprendió desde muy pequeño a tocar gran cantidad de instrumentos, destacando con el piano, la flauta dulce, las congas y la armónica.
Stevie Wonder es un notable cantante, compositor, productor discográfico, multiinstrumentista y activista social de su país. Recibió hasta el presente, 24 premios Grammy -récord para un artista en actividad- y pertenece al Salón de la Fama del Rock and Roll de los compositores famosos.
Wonder se ha convertido en uno de los más exitosos y reconocidos artistas internacionales con más de 100 millones de discos vendidos. Ha grabado diversos discos que fueron aclamados por la crítica y el público así como también ha escrito y producido para otros artistas.
Wonder toca diversos instrumentos como la batería, bajo, congas, y, más notablemente el piano, la armónica y todo tipo de teclados.
En 1962, a los 11 años, llegó al sello Motown de la mano de Ronnie White, uno de los componentes del archifamoso grupo The Miracles y Berry Gordy, presidente de la discográfica, lo contrató inmediatamente, Little Stevie Wonder, a causa de su virtusismo.
A los trece años de edad, el pequeño Stevie Wonder tuvo su primer éxito importante, Fingertips (Pt. 2), un sencillo de 1963 grabado en vivo en uno de los conciertos de los artistas de la Motown. La canción, que presentaba a Wonder como vocalista, con las congas y la armónica y a un joven Marvin Gaye en la batería, fue un éxito en los Estados Unidos y lanzó a Stevie al reconocimiento del público, demostrando que de «pequeño» no tenía nada.
Además de Marvin Gaye, Stevie Wonder fue una de las pocas estrellas de Motown en estar en desacuerdo con los métodos tradicionales de trabajo en las discográficas, es decir, artistas, compositores, y productores eran usualmente mantenidos dentro de cooperativas especiales y carecían de control creativo alguno. Wonder discutió con Berry Gordy sobre esto varias veces, sin llegar a ningún acuerdo por lo que Wonder dejó que su contrato expirara, abandonando Motown el día de su cumpleaños número 21, en 1971.
En los '70s, Stevie fue el primer artista en la historia en hacerse cargo de la grabación de prácticamente todos los instrumentos del disco, además de ejercer las tareas de producción, composición y arreglos. La década resultó gloriosa: de 1974 a 1977 Wonder ganó 14 Grammys incluyendo tres «discos del año» seguidos por sus álbumes: Innervisions, Fullfillingness first finale y Songs in the Key of Life, para muchos uno de los mejores discos de la historia.
Fue un periodo muy rico en creatividad y premios para Stevie, precursor en el empleo de sintetizadores y fuente de inspiración para los músicos venideros y de la época.
Wonder recibe los ochenta a ritmo de reggae con el hit "Master Blaster", en homenaje a Bob Marley, lo que le abre mercado a una audiencia más amplia. Además, realiza colaboraciones importantes como "Ebony and Ivory", junto a Paul McCartney y "Just good friends", junto a Michael Jackson, "That's What Friend Are For", con Dionne Warwick, Elton John y Gladys Knight, y recibe un nuevo Grammy por "We are the World". En 1984 lanza "The woman in Red", para la banda sonora de la misma película, consiguiendo un Óscar por la canción "I just call to say I love you".
Más recientemente, en 2007, realizó su primera gira en diez años por los Estados Unidos, que continuó al año siguiente por Europa, Canadá y Australia. Actualmente comparte su vida con la diseñadora de moda Kai Milla, que le ha dado dos hijos más, el último nacido en el 2005, el mismo dia de su cumpleaños. En total, Wonder es padre de diez hijos.
Una mirada a esta música para el fin de semana…
(Gracias amigos de internet por la data)

viernes, 18 de septiembre de 2009

Música!


Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos artistas que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los identifica. Hoy: Fabiana Cantilo.

Nació en Capital, el 3 de marzo de 1959. Hija de Gabriel Cantilo y Silvina Luro Pueyrredón. Es sobrina de César "Banana" Pueyrredón y prima de Patricia Bullrich. Comparte el apellido con los cantantes Miguel Cantilo y María José Cantilo aunque sin parentesco directo con ellos.
Comenzó a hacerse conocida a través de las Bay-Biscuits, un grupo de rock-teatral que participaba en los shows de músicos de primer nivel como, por ejemplo, Serú Girán. Es así que conoce a Charly García que a su vez la vincula al grupo Los Twist de Pipo Cipolatti.
Al mismo tiempo, trabaja como coro de Charly García y asi conoce a Fito Páez, quien sería su pareja por varios años. Luego, se desvincula de Los Twist y en 1985 graba su primer disco solista: "Detectives".
En 1990 compuso con Charly García el tema: "Siempre puedes olvidar", incluído en el álbum: "Filosofía barata y zapatos de goma". Su trabajo más exitoso fue el disco: "Algo Mejor", editado en 1991. Con mayoría de temas compuestos por Fito Páez, ese trabajo tuvo amplia repercusión gracias a la canción: "Mi enfermedad", de Andrés Calamaro.
Su carrera continuó como vocalista invitada en los conciertos de García, Los Twist y Páez y hasta como telonera de Roxette, cuando el dúo sueco se presentó en Vélez. Después editó: "Información Celeste", doce temas que demuestran su crecimiento tanto personal como profesional. Su siguiente trabajo fue: "Inconsciente Colectivo", que recibió un Premio Gardel y fue nominado para el Grammy Latino, y que reúne grandes temas, cantados junto a dúo junto a Fito Páez, Daniela Herrero, Gustavo Cerati e Hilda Lizarazu. Este álbum de 2005 es un homenaje al rock argentino e incluye canciones de Spinetta, Divididos, Suéter, Charly García, Fito Páez, Los Redonditos de Ricota y Calamaro.
En el 2007 editó su CD solista: "Hija del Rigor". El 2008 fue un año ambivalente para la cantante, por un lado: "Hija del Rigor" le valió el reconocimiento de la crítica como uno de los mejores trabajos del rock argentino a cargo de una solista femenina y por el otro, cuestiones personales hicieron que deba ser internada en una clínica siquiátrica. Una vez dada de alta volvió a los escenarios con shows en la Trastienda y el ND Ateneo. Actualmente está preparando su nuevo trabajo discográfico titulado "En la vereda del sol", una continuidad de su exitoso "Inconsciente Colectivo".

Una mirada a esta música para el fin de semana…
(Gracias amigos de internet por la data)

jueves, 17 de septiembre de 2009

S.B. 1960-2009



"Mierda", me dije. Volvió el frío y llueve. Parece que todo lo malo le pasa a uno. De pronto, descubrí que la realidad de otro es peor y entonces sonreí. Estaba solo pero esa sonrisa era para compartir. Como cuando estás con alguien de confianza y apenas un gesto lo dice todo. Sabiendo que el otro te entiende, claro. Esta vez, el otro no está más. Tal vez por eso la charla hacia adentro como conversando con él. De ahora en más será así. O acaso no era así en estos últimos tiempos...?. Cuando lo ví por última vez, me contó que se iba a Rosario. Problemas de guita, como siempre. Pero le dije que todos lo queríamos. Qué lástima que siendo tan buen locutor, le costara tanto hablar con sus amigos. Me dijo: "Me da verguenza!". Ojalá que se haya ido sabiendo que antes de esta pirueta de la vida ya le habíamos perdonado todo...
Sin querer, los incluí a todos en la charla, como contándole cómo sonreían con los ojos pícaros cada vez que alguien lo nombraba.
Binaschi era... no sé... un nene grande. Casi un hermano. O más. Siempre dispuesto a todo por el otro. Gran compañero y uno de esos "vivos" al que se le perdonaba todo. Lo digo más fácil: AMIGO. Tengo tantas anécdotas como cualquiera que lo haya conocido. Y me lo quedo en el corazón para siempre.
Lo último: Nacional, RPN, una mano de Lutteral y la vida que sigue girando como un trompo que no se sabe adónde va a parar. "Me siento mal", les decía a todos. "Me hago unos estudios y listo", le contó a Fabián del Monte. Después, lo irreversible. Fatal. Y un desandar de lamentos que lo fue consumiendo en apenas un mes. Murió ayer. Hoy, temprano, le fui a decir "Chau". Llovía y volvió el frío. No me vió ni me oyó. O sí ? Creo que si.
Uno es una suma. Nunca una resta. Por eso lo que se nos va no se pierde. Se agrega para siempre. Y nos hace más buenos y mejores. Chau, Ciego. Sos un grande.

(Aldo: gracias por la foto)

viernes, 11 de septiembre de 2009

Música!


Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos artistas que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los identifica. Hoy: Elton John.

Sir Elton Hercules John CBE (Caballero del Imperio Británico) nació en Londres, el 25 de marzo de 1947. Cantante, compositor y pianista, su nombre completo y verdadero es: Reginald Kenneth Dwight.

A lo largo de sus más de 40 años de carrera musical, Elton John ha superado los 200 millones de discos vendidos y ha colocado más de 50 canciones en los charts del mundo, convirtiéndose en uno de los músicos de más éxito de todos los tiempos. Fue educado en la Royal Academy of Music gracias a una beca que consiguió a la edad de 11 años y que abandonó seis años después para dedicarse al rock. A partir de 1964 -tenía 17 años- comenzó a colaborar en el grupo Bluesology, donde conoció al cantante Long John Baldry. Como homenaje a él y al saxofonista Elton Dean adoptó el nombre artístico de Elton John.

A finales de los sesenta, Elton conoció al letrista y poeta Bernie Taupin. Juntos obtuvieron su primer gran éxito en 1970 con el tema: "Your Song". En 1971, logró colocar simultáneamente cuatro de sus discos entre los diez primeros en los charts de Estados Unidos, algo que no ocurría desde los Beatles. También en ese mismo año Elton empezó a desarrollar una galopante alopecia que le conduciría años después al uso de peluca.

Durante los años ’70 llegó su consagración como una auténtica estrella. Comenzó a actuar vestido con extravagantes disfraces y otros adornos característicos del glam rock usándolos en conciertos multitudinarios. En esa época tuvo grandes éxitos como Crocodile Rock (1972), Candle In The Wind (1973), Bennie And The Jets (1973) y Don’t Let The Sun Go Down On Me (1974). Entre 1972 y 1975, siete de sus discos llegaron a los primeros puestos de las listas de ventas británicas.

En 1975 participó en la película Tommy, dirigida por Ken Russell y escrita por Pete Townshend, guitarrista de The Who. Por aquella época escandalizo a la opinión pública con declaraciones sobre su homosexualidad. Al entrar en los ’80, dejó de lado temporalmente su relación con Taupin además de moderar su imagen y su música, haciéndola más melódica. Produjo nuevos éxitos como “I'm Still Standing” y Little Jeannie pero ya con menos frecuencia, y su vida privada vivió también algunos problemas.

Ya en los '90 le afectó profundamente la muerte por SIDA de un amigo suyo que sufría de hemofilia, Ryan White. Tras el funeral confirmó estar él mismo en tratamiento para superar su adicción al alcohol, las drogas y la bulimia. En 1992 fundó la Elton John AIDS Foundation, una de las mayores organizaciones no lucrativas para la erradicación del sida, a la que decidió destinar todos los beneficios de sus singles. Un Elton John renovado y más sobrio obtuvo un nuevo éxito en 1994 con su participación en la banda sonora de la pelísucla de los estudios Disney: "El Rey León" en colaboración con Tim Rice. Gracias a su participación en ese film ganó un Grammy y un Oscar.

El asesinato de su amigo Gianni Versace y la muerte en un accidente de tránsito de su también amiga Diana de Gales supusieron para Elton un fuerte golpe en 1997. Obtuvo un rotundo éxito con su homenaje a la princesa Diana, con una nueva versión del tema: "Candle in the Wind", que batió todos los récords y resultó ser el single más vendido en la historia de la música. Al año siguiente, 1998, fue nombrado Caballero de la Orden del Imperio Británico y después recibió un Grammy honorífico por su trayectoria musical.

En diciembre de 2005, Elton John formalizó su relación con su pareja de más de 12 años, el director de cine canadiense David Furnish, al entrar en vigencia la nueva ley británica de uniones civiles homosexuales. El certificado de boda revela un detalle inédito: el popular artista se llama realmente Hércules, además de Reginald Kenneth Dwight. Entre otros detalles, indica que Elton John se presentó como "músico", mientras que su pareja dijo ser "realizador de cine". Además, el famoso cantante declaró en los documentos del registro que en el año 1984 estuvo casado con Renate Blauel, ingeniera de sonido alemana, de la que se separó poco después del enlace.

En 2007, año en que festejó sus 60 años de vida y 40 de carrera artística, ocupó el sexto lugar entre los "Personajes Artísticos de Influencia Mundial", de la revista Forbes. Aquel mismo año, se editó un DVD Especial con su aparición en vivo en el New York Madison Square Garden (realizada el 25 de marzo, fecha de su cumpleaños).

Actualmente se encuentra de gira con su último disco y en recientes declaraciones durante uno de sus conciertos en Las Vegas (donde desarrolla el espectáculo: "The Red Piano") dejó entrever que no va a publicar más discos utilizando el nombre de Elton John.

John no tiene hijos pero sí, 10 ahijados. Entre ellos: Sean Ono Lennon, hijo de John Lennon y Yoko Ono; el hijo de la modelo y actríz Elizabeth Hurley, Damian Charles; los de David Beckham y Victoria Adams, Brooklyn y Romeo y la hija de Seymour Stein, fundador de la discográfica Sire Records.

Dentro del mundo de la música, Elton es conocido como "Sharon", un sobrenombre que le puso su buen amigo Rod Stewart. A cambio, John suele llamar a Rod como "Phyllis".


Una mirada a esta música para el fin de semana…

viernes, 4 de septiembre de 2009

Pepe, gracias por tanta risa!


Hace 100 años nacía este inmenso payaso que acompañó la infancia de muchos de nosotros, esa inocente y tierna etapa de nuestra vida que -ya lejana- estaba llena de imaginación, sueños, cuadernos borroneados, manos sucias de inventar juguetes con cualquier cosa y el infaltable pan con manteca (con esa lluvia de azúcar que mamá nos ponía como premio inigualable). Y Pepe nos llevaba de la mano con sus gestos y nos arrancaba una risa franca, ruidosa, con esa impresionante capacidad de reunir a toda la familia frente a la tele y divertirnos con un humor tan inocente que hasta se hace increíble.
Nuestros hijos se lo perdieron... pero, se lo perdieron ? No. Creo que cada uno de nosotros supo (y sabe) recrear en algún momento de la paternidad, esos personajes maravillosos que él nos marcó a fuego en el alma.
Hoy, ante tanta barbarie desatada en la pantalla, se alza el recuerdo inalterable de este cómico con mayúsculas y nos arranca otra vez una sonrisa.
Hoy y siempre, Pepe, gracias por tanta risa!


"Los Artistas no mueren porque viven en el alma de su pueblo"

viernes, 28 de agosto de 2009

Música!


Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los distingue e identifica. Hoy: Whitney Houston.

Whitney Elizabeth Houston es modelo, cantante de R&B, pop y gospel además de actriz.
Nació el 9 de agosto de 1963 en la ciudad de Newark, Nueva Jersey y sin dudas es una de las más populares y famosas cantantes de las décadas de 1980 y 1990. Whitney recibió seis premios Grammy, varios American Music Awards, Billboard Music Awards, dos Emmys, un MTV Video Music Award y un MTV Movie Award. Lleva vendidos más de 120 millones de discos y 50 millones de simples en todo el mundo en estos casi 25 años de carrera.
Whitney influenció a una enorme cantidad de cantantes en su país, como: Christina Aguilera, Alicia Keys, Britney Spears, Jessica Simpson, Mandy Moore y otras tantas del resto del mundo. Es reconocida por su gran habilidad vocal, que heredó de su madre Cissy Houston, su tía Dionne Warwick y su madrina Aretha Franklin… nada menos!
Su primer disco salió en 1985. Tenía apenas 22 años. El álbum vendió cerca de 24 millones de copias en todo el mundo, 13 millones de ellas en Estados Unidos.
En enero 1991, cantó el himno nacional de Estados Unidos, en la vigésima quinta edición del Super Bowl, la final del fútbol americano, celebrada en Tampa, Florida. Esta interpretación fue posteriormente grabada debido a la demanda popular, siendo hasta hoy la única versión del himno americano que consigue ser un éxito de ventas y obteniendo el disco de platino. En 1992 hizo su primera incursión en el cine junto a Kevin Costner en la película “El Guardaespaldas”. Whitney grabó 6 nuevas canciones para la banda sonora, incluyendo una versión del tema de Dolly Parton “I Will Always Love You” con la que rompió todas las expectativas. Lanzado como single en noviembre, fue su décimo número uno en Estados Unidos llegando a ser el disco más vendido de 1992 en el Reino Unido y Estados Unidos, manteniéndose 10 semanas y 14 semanas respectivamente en ese puesto. Con el tiempo llegó a ser en uno de los simples más vendidos de la historia. Por su parte, el álbum vendió 35 millones de copias en todo el mundo en su primer año y más de 42 millones hasta ahora, convirtiéndola en la banda sonora más vendida en la historia de la música.
El 18 de julio de 1992, Whitney se casó con el cantante Bobby Brown y en marzo de 1993, Whitney dio a luz a una niña, llamada Bobbi Kristina. Whitney lanzó el álbum "Just Whitney" en diciembre de 2002, debutando en el número 9 de la lista de ventas de Billboard, mientras se encontraba en medio de una etapa turbulenta de su vida, relacionada con supuestos maltratos por parte de su marido y las drogas. La artista reconoció que consumía cocaína, marihuana y probaba todo tipo de drogas. Después de cinco días internada en un centro de rehabilitación de drogas en marzo de 2004, regresó en marzo de 2005 y permanció dos meses.
En Septiembre de 2006 la carrera y la vida de Whitney de cara la opinión pública da un giro radical. Después de especulaciones y notícias falsas Whitney reaparece junto a Clive Davis radiante y visiblemente muy recuperada. Los rumores cesan y la prensa vuelve a mostrarse amable con la artista. Sus representantes confirman la separación del matrimonio Houston-Brown.
En febrero de 2009, para cerrar la fiesta previa a la entrega de los premios Grammy, Whitney Houston, hizo gala de su plena recuperación, ofreciendo un mini-concierto al final de la velada donde demostró que su fuerza, belleza y voz, siguen en su lugar y recibiendo una tremenda ovación de parte de todos los presentes por su voz y por su presencia en el escenario donde no dejó de derrochar energía, haciendo un repaso de los mejores éxitos que tanto la han caracterizado a lo largo de su carrera.
De acuerdo con su sello discografico, la fecha oficial para su gran regreso y la salida de su séptimo album de estudio es el 1 de Septiembre del 2009.

Una mirada a esta música para el fin de semana…


Serie de comentarios para "RadioRosario" que conduce Rosario Lufrano de Lunes a Viernes de 06.00 a 08.30 hs en Radio América, AM 1190Originalmente publicado en el blog del programa:radiorosarioamerica.blogspot.com
Gracias Rosario!

viernes, 21 de agosto de 2009

Música!


Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los distingue e identifica. Uno de esos creadores es: León Gieco, uno de los máximos exponentes de la música argentina y latinoamericana reconocido en todo el mundo.

Raúl Alberto Antonio Gieco nació el 20 de noviembre de 1951 en una chacra del norte de Santa Fe. Su familia se muda a Cañada Rosquín y allí comienza a trabajar a los 8 años y con su propio y bien ganado sueldo se compra su primera guitarra.
Comenzó entonces a presentarse en los actos del colegio y en un grupo de folklore: Los Nocheros. Paralelamente, se une a Los Moscos, una banda de rock, con la que poco a poco logran cierta popularidad en los pueblos cercanos. Hacían covers de Los Beatles y los Stones. En 1965, el grupo gana un concurso para presentarse en el Canal 5 de Rosario. Llegar a presentarse en esa ciudad era más de lo que habían esperado.
En el verano de 1969 viaja por primera vez a Buenos Aires, con su guitarra al hombro y casi sin dinero. Poco a poco comienza a relacionarse con el mundo de la música: Litto Nebbia y Gustavo Santaolalla. Es justamente el guitarrista de Arco Iris quien le consigue algunas presentaciones como telonero de Moris y Pajarito Zaguri.
En noviembre del '71 llega la primera presentación grande: el Festival B.A.Rock II y luego el "Acusticazo". De allí es la primera grabación de "Hombres de Hierro", uno de los temas más famosos de León. En diciembre llega la tercera versión del B.A.Rock y para marzo del '73 sale a la venta su primer disco, que había sido grabado con Santaolalla como producción independiente. El tema para las radios era: "En el país de la libertad". Poco a poco va logrando cierto éxito y se lo comienza a conocer como "el Bob Dylan argentino".
"La Banda de los Caballos Cansados", de 1974 es el título de su segundo álbum, que sigue la línea progresiva-folklórica del primero. Aunque, por la nueva separación de su banda, León sale a tocar como solista con su guitarra y su armónica ya que debía cumplir un contrato firmado para dos shows.
Por culpa de la censura, se le hace difícil editar su tercer LP: "El fantasma de Canterville" (1976), al punto de tener que modificar la la letra de seis temas y directamente eliminar otros tres ("La historia esta", "Tema de los mosquitos" y "Las dulces promesas"). Pese a todo, el material es muy bien recibido. León continúa con las giras por el interior, hasta que se aventura a Latinoamérica, a comienzos de 1978.
Otra vez escapando de la censura, se radica por un año en Los Angeles.
De su cuarto LP de 1978 sobresalen: "Cachito, campeón de Corrientes" y "Sólo le pido a Dios", el otro himno de Gieco, junto a "Hombres de hierro". En realidad, León no estaba muy convencido de incluir este tema, que lo encontraba "aburrido y monótono", pero finalmente siguió el consejo de Charly García y a partir de ese entonces León lo canta en el final de cada concierto.
En abril de 1981 se presenta en Obras para el lanzamiento oficial del disco recopilación "Siete años" de 1980, shows en los que también adelantó canciones de su siguiente álbum: "Pensar en nada" de 1981, el mismo año en que comienza su inmensa gira nacional que le demandará en total tres años. Fueron 450 presentaciones en todas las provincias argentinas y 110.000 kilómetros recorridos, para cantar frente a alrededor de 420.000 personas. Al terminar la travesía, decidió llevar al disco todos los ritmos característicos con los cuales se topó. Esta fue, sin dudas, su obra más importante, aunque no contó con la difusión acorde. Bautizada "De Ushuaia a La Quiaca", es ni más ni menos que el mapa musical argentino.
"Semillas del corazón" de 1989 marca su retorno a los estudios de grabación, tras ocho años de giras. El disco fue realizado como una producción independiente y en el que grabó con Sandro el tema "Mi amigo".
En agosto del '89 se presentó junto al legendario exponente del folk norteamericano Pete Seeger, en el teatro Opera, y ese material se editó bajo el nombre de "Concierto en vivo" al año siguiente. Seeger lo invitó para presentarse juntos en Washington, Boston y New York. A las funciones de la capital norteamericana se sumó David Byrne (líder de los Talking Heads), quien había conocido a Gieco en su visita a Buenos Aires, unos meses atrás.
Hacia fines de 1994 edita "Desenchufado", una ironía a la tendencia mundial impuesta por la MTV norteamericana de los Unplugged. En este caso se trató de una formidable re-make de los clásicos de León, entre ellos "El fantasma de Canterville", compuesto por Charly García para el cantautor. La presentación de este disco se realizó a fines de 1995, con Nito Mestre, Rodolfo García, Oscar Moro y los ex Oveja Negra como invitados.
"Orozco" de 1997 sorprendió con el hit bailable homónimo, cuya letra no contiene otra vocal que la "o". Sin embargo, además de ese tema, se incluyen otras canciones de extrema calidad, como: "Alas de tango" y "El embudo", un homenaje a la Patagonia para la cual prestaron sus voces Mercedes Sosa, Ricardo Mollo (de Divididos), Santaolalla, Ricardo Iorio (ex-Almafuerte y Hermética), Chizzo (La Renga), entre otros.
En junio del 2004, León fue nombrado Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires, en un acto al que asistieron Madres de Plaza de Mayo, organismos de derechos humanos, autoridades de la ciudad, familiares del homenajeado y artistas de la talla de Ariel Ramírez, Abel Pintos (ahijado artístico de León), Horacio Fontova y Piero.
En el año 2001 lanza una nueva producción; "Bandidos rurales", con letras fiel a su estilo que hablan de la situacion social y de los problemas que aquejan al mundo. Temas como "Idolo de los Quemados", "De igual a igual" y "La Memoria" sonaron en las emisoras y se incorporaron a su ya larga lista de grandes composiciones. Dos años despues lanza un disco en vivo con todos sus grandes éxitos, y en el 2005 reaparece con: "Por favor, perdón y gracias" que incluye como primer corte la cancion "El ángel de la bicicleta", un tema que cuenta la historia de Claudio Lepratti, alias Pocho, un muchacho de 35 años que vivía en Rosario, trabajaba en una escuelita de bajos recursos y colaboraba con un comedor infantil. En diciembre del 2001, en medio de la situación sociopolítica que vivía la Argentina, fue asesinado de un balazo en la garganta, mientras le pedía a la policía que no disparase contra el comedor donde él colaboraba, ya que adentro había chicos comiendo.
Este disco tambien se alzó con polemica ya que incluye la participación en uno de los temas del "Pato" Fontanet, líder de la banda Callejeros, imputado por la causa de la tragedia de Cromañon. "Por favor, perdón y gracias" incluye además versiones de temas de "Los Piojos" y "Los Tipitos". En 2006, León decide que es momento de repasar su historia musical desde 1991 hasta ahora. Es por eso que lanza "15 años de mí", un CD-DVD que incluye sus grandes clásicos más 3 bonus track, video clips, extras y "momentos especiales". Entre las novedades figuran el tema "Para la Vida", de la banda original de sonido de la película "Iluminados por el fuego", dirigida por Tristán Bauer; "Todos los Caballos Blancos" (en vivo teatro Opera 2005) y "El surco" (inédito-grabado en 2005).
En el año 2008 edita: "Por partida triple", un pack que muestra la esencia más pura de León, la del autor comprometido, la del músico que comparte y sobre todo la del ser humano cálido y sincero que desde sus ideales supo construir una carrera admirada por todos.
A través de 3 CDs, agrupados bajo los títulos "Rock", "Folclore" y "Rutas", desfilan colaboraciones, versiones y participaciones, en vivo y en estudio, con un amplísimo arco de músicos de diversos estilos, generaciones y países.
León es un artista notable y entrañable que se caracteriza por mezclar el género folclórico con el rock argentino y por las connotaciones sociales y políticas de sus canciones, a favor de los derechos humanos y la solidaridad con los marginados.
Una mirada a esta música para el fin de semana…
(gracias a los amigos de internet por los datos biográficos de LG)

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viernes, 14 de agosto de 2009

Música!


Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los distingue e identifica. Uno de esos creadores es Robbie Williams.

Algunos datos de RW: miembro del grupo juvenil Take That, a mediados de los ‘90 comenzó su carrera solista convirtiéndose en el artista británico que más discos vendió en la historia (55 millones de copias) y que mayor cantidad de Brit Awards consiguió (15 hasta ahora).

Entró en los Guinness cuando anunció su gira mundial de 2006 y vendió más de un millón y medio de tickets en un solo día. Fue elegido como el mejor artista de la década del ‘90. Y el más vendedor en América Latina. 6 de sus 7 discos son parte de los 100 álbumes más vendidos de Inglaterra y para comienzos de Noviembre está previsto el lanzamiento de su octavo álbum (Reality Killed the Video Star) y después se verá si se realiza la tan esperada reunión del grupo Take That (sobre todo esperada por sus ex-compañeros debido al éxito de Robbie).
Recordemos que se llevaban a las patadas.
De todas maneras, como solista, Robbie ganó 120 M de dólares y hace poco compró su mansión en 10 M de dólares aunque su intención sigue siendo la de radicarse en los EE.UU.
Pasa mucho tiempo en Los Angeles porque ama la privacidad y la libertad que dice tener en ese país.

Son conocidos sus problemas con el alcohol, las drogas, la obesidad, autoestima, depresión y el sexo. Aunque ganó varios juicios a publicaciones que lo habían tratado de homosexual, su sexualidad sigue siendo un misterio… alimentado por él, por supuesto.

Pero también es un ferviente interesado en los fenómenos paranormales. 2008 fue un año sabático en el que se dedicó al avistaje de OVNI. Declaró haber visto platos voladores tres veces. La primera cuando era chico en Inglaterra, otra ya adulto en Beverly Hills y la tercera, después de haber escrito una canción sobre un contacto del tercer tipo.

Le gusta el fútbol y es el mayor accionista del Port Vale, un club de la segunda categoría de la liga inglesa, de Stoke on Trent, donde nació.

Una mirada a esta música para el fin de semana…



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