Música!

Cada viernes, recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana.

Hoy vamos a hacer memoria para recordar tantos éxitos surgidos del Festival de San Remo.

El Festival de la Canción de San Remo comenzó en el año 1951. Se celebra anualmente en el Teatro Ariston de San Remo (originalmente la sede del festival era el Casino de San Remo), normalmente entre finales de febrero y comienzos de marzo. Con el transcurso de los años, ha cambiado a menudo su fórmula, pero básicamente se trata de una competencia en la que intérpretes de canciones originales e inéditas, compuestas por autores italianos, reciben votos por parte del jurado y del público. Además, el Festival ha servido de inspiración para otro evento musical que involucra a toda Europa: Eurovisión. En las primeras décadas, la temática del Festival era que cada canción fuera interpretada por dos cantantes o agrupaciones, cada uno utilizando su propio estilo y arreglos orquestales, centrando la idea de que se trataba de un concurso de compositores y no de intérpretes. Durante esos años era costumbre que una versión estuviera a cargo de un artista italiano y la otra fuera interpretada por un artista internacional. El Festival lanzó a la fama una gran cantidad de muy famosas y reconocidas voces de Italia, como: Andrea Bocelli, Giorgia, Mietta, Laura Pausini y Eros Ramazzotti. A partir de San Remo surgieron otros que nunca llegaron a opacar su brillo: Canzonissima, Cantagiri, Festivalbar y tantos más. Por otra parte, a lo largo de los años, San Remo se ha convertido en uno de los principales eventos mediáticos de la televisión italiana, que no para de producir debates y polémicas en todas sus ediciones. La próxima -2010- será la número 60!

Una mirada a esta música para el fin de semana...

Música!

Como cada viernes, recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana.

Hoy: Ray Charles.

Nacido el 23 de septiembre de 1930, este cantante y pianista de soul, R&B y jazz, de Georgia (EEUU), nació y se crió en Albany y perdió la vista durante su infancia a causa de un glaucoma. Fue autodidacta del piano pero también recibió clases de música en braille cuando era chico. Paralelamente, tuvo que ganarse la vida como músico cuando fallecieron sus padres.

A finales de los años '40, Ray Charles consigue colocar un disco en las listas de su país y en 1951 obtiene su primer Top Ten, gracias al hit: "Baby, Let Me Hold Your Hand".

Fue criticado por cantar canciones gospel con letras populares, aunque hay una gran tradición en los EE.UU., de poner letras religiosas a canciones populares. Después de una aparición en el Newport Jazz Festival logró un éxito importante en 1959 con su canción más popular: "What'd I Say". La esencia de esta fase de su carrera se puede escuchar en su álbum en vivo Ray Charles en Persona, grabado ante una gran audiencia afroamericana en Atlanta aquel mismo año.

Charles comenzó a ir más allá de los límites de su síntesis blues-gospel mientras seguía con Atlantic que ahora lo llamaba El Genio. Grabó con muchas orquestas y muchos artistas de Jazz como Milt Jackson e incluso hizo su primer cover de música country. Luego cambió de discográfica al mudarse a ABC Records. Allí, Charles tuvo mucho control sobre su música y extendió su enfoque no en proyectos laterales experimentales sino con música pop, dando como resultado la canción "Unchain My Heart" y el número 1 en los listados de Billboard, "Hit the Road, Jack". Ya en 1962, sorprendió a su nueva audiencia extranjera con el importante álbum: "Modern Sounds in Country and Western Music", que incluye los temas "I Can't Stop Loving You" y "You Don't Know Me". A éste le siguió una serie de éxitos, incluyendo "You Are My Sunshine", "Crying Time", "Busted" y "Unchain My Heart".

En 1961, Charles había cancelado un concierto programado en el Bell Auditorium en Augusta (Georgia) para protestar por las ubicaciones segregadas. Y en 1965 fue arrestado por posesión de heroína, droga a la que fue adicto durante 17 años. Aquel fue su tercer arresto por el delito, pero pudo evitar ir a prisión después de dejar el hábito en una clínica en Los Ángeles. Pasó un año en libertad condicional y siguió trabajando.

Después de 1970, Charles cristalizó lo que sería un éxito o su fracaso, con algunos éxitos populares y trabajos aclamados por la crítica y alguna otra música que fue desechada por tildarse como copia. Se concentró entonces en espectáculos en vivo, aunque su versión de "Georgia on My Mind", una canción originalmente escrita para una chica llamada Georgia, fue un éxito y de inmediato proclamada como la canción por excelencia de Georgia el 24 de abril de 1979, con la aparición de Charles en el piso de la legislatura del estado.

En 1980 Charles hizo una breve aparición en la película de los Blues Brothers. En 1986 colaboró con Billy Joel en "Baby Grand" para el álbum: "The Bridge" y también participó en U. S. A. for África junto a Michael Jackson y otros grandes del pop de los EE.UU. También apareció muchas veces en la célebre serie The Nanny, de gran éxito en Argentina.

Los años '80 y '90 acrecentaron la popularidad de Ray Charles en todo el mundo.

En 2004 Charles realizó un álbum de duetos: "Genius Loves Company", que tuvo varias nominaciones a los premios Grammy. Con ese trabajo ganó en las categorías Mejor Álbum del Año y Canción del Año por su dúo con Norah Jones: "Here We Go Again".

Ray Charles falleció a la edad de 73 años, el 10 de junio de 2004 en su casa de California. Sus restos se encuentran en el Cementerio Inglewood Park de Los Ángeles, California.

Ese mismo año 2004 se estrenó la película Ray que narra toda su vida. El film ganó 2 Oscars, incluyendo Mejor Actor y Mejor Banda Sonora y además, estuvo nominada a mejor película. Desde su muerte se han seguido editando recopilaciones e incluso se grabaron algunas canciones por el artista inéditas para el disco de la película. También se ha publicado su autobiografía titulada Brother Ray, que narra su vida de la manera más cercana a la realidad posible.

Entre todos los cantantes de R&B, Charles ha sido reconocido como el mejor cantante masculino y como la segunda mejor voz de todos los tiempos, sólo superado por Aretha Franklin.

Una mirada a esta música para el fin de semana...

Música!

Les Luthiers: Origen y Trayectoria

A comienzos de los años 60, se desarrollaba en la Argentina una intensa actividad coral universitaria. Todos los años se realizaban festivales corales nacionales, cuya sede iba rotando entre distintas ciudades. Duraban una semana y representaban un importante acontecimiento cultural.
En 1965, el joven arquitecto Gerardo Masana, quien cantaba en el coro de la facultad de Ingeniería de la Universidad de Buenos Aires, compuso la Cantata Modatón, cuya letra estaba basada en el prospecto de un laxante.
La idea era estrenar esa obra en el encuentro que se realizaría ese año en la ciudad de Tucumán, como parte de las humoradas informales que solían hacer los estudiantes para amenizar el cierre de los festivales. Se trataba de divertir a la audiencia con la parodia de una cantata al estilo de Johann Sebastian Bach, interpretada por solistas, coro y una orquesta de exóticos instrumentos construidos por los mismos estudiantes.
La Cantata Modatón –que más adelante pasaría a llamarse Laxatón- reunió por primera vez en un escenario a cinco futuros integrantes de Les Luthiers: Marcos Mundstock, Daniel Rabinovich, Carlos Núñez Cortés, Jorge Maronna –de sólo 17 años- y Gerardo Masana, autor e impulsor del proyecto.
El éxito fue rotundo; nadie esperaba semejante despliegue de originalidad y talento en un festival amateur. La revista Confirmado publicó un artículo donde resaltó a la Cantata Laxatón como el hecho más destacado del festival.
Poco después, un periodista les ofreció contactarlos con el dueño de un teatro para realizar una serie de funciones. Pero para eso, necesitaban un nombre. Optaron por I Musicisti, parodiando al conjunto barroco italiano I Musici.
¿Música? Sí, claro, fue el título del primer espectáculo de I Musicisti, estrenado en 1966. El mismo fue decisivo para que, poco después, el grupo pudiera ser aceptado en la programación del célebre Instituto Di Tella, un centro cultural de vanguardia cuyas obras, llamadas a revolucionar las concepciones artísticas de la época, causaban una gran polémica.
El nuevo espectáculo se bautizó IMYLOH (I Musicisti y las óperas históricas). La repercusión fue notoria, tanto entre la crítica especializada como entre el público. Pero una serie de desacuerdos entre los integrantes del grupo, motivaron que en septiembre de 1967 Masana decidiera separarse, llevándose sus partituras y sus instrumentos. Inmediatamente se fueron con él Mundstock, Rabinovich y Maronna. Carlos Núñez Cortés se les sumaría un año y medio más tarde. (Haga un click aquí para leer la historia de I Musicisti tras la escisión).
Por sugerencia de Maronna, los “disidentes” adoptaron el nombre de Les Luthiers, y volvieron al Di Tella en noviembre de ese año, con el show Les Luthiers cuentan la ópera.
A fines de 1969 se sumó al grupo Carlos López Puccio. Les Luthiers adquirió así su conformación definitiva, que sólo se vería alterada por el paso de Ernesto Acher (quien se incorporó en 1971 y se retiró en 1986) y el fallecimiento de Masana, en noviembre de 1973 (con tan solo 36 años), producto de una enfermedad terminal.
Su desaparición fue un duro golpe para los luthiers. Hasta el día de hoy, en todos los programas de mano de los espectáculos del conjunto se lee: “Fundado por Gerardo Masana en 1967”.
Los años 70 fueron sumamente prolíficos para el conjunto: lanzaron cinco discos, presentaron diez espectáculos, y realizaron giras internacionales que los llevaron a Uruguay, Venezuela, España, México, Chile y Brasil, país en que presentaron un show traducido al portugués.
Los logros continuaron durante los años 80. Les Luthiers siguió sumando países a sus giras, tales como Colombia, Paraguay, Perú, Cuba, Israel y Ecuador.
En esta década el conjunto realizó además tres funciones inolvidables. La primera (1980) tuvo lugar en el Lincoln Center de Nueva York, con un espectáculo traducido al inglés.
La segunda –tal vez la más memorable- fue el 11 de agosto de 1986, día en que se presentaron en el Teatro Colón de Buenos Aires, uno de los grandes templos de la lírica mundial, lo que significó un importante reconocimiento a la trayectoria del grupo. Y dos años más tarde, el 26 de diciembre de 1988, con motivo de la celebración de los cinco años de la recuperación de la democracia en la Argentina, realizaron una actuación sobre un enorme escenario montado en las avenidas 9 de Julio y Libertador, ante más de 50.000 personas.
En 1995 asumió la representación del conjunto Lino Patalano, un reconocido productor artístico, manager de destacadas figuras, como el bailarín Julio Bocca y la actriz Norma Aleandro. Patalano dio un renovado impulso a la proyección internacional de Les Luthiers. Como consecuencia, el grupo intensificó sus giras por España y las principales capitales latinoamericanas.
El 21 de agosto de 2000 Les Luthiers volvió al Teatro Colón, con una función a beneficio del Collegium Musicum de Buenos Aires, acompañado por la Camerata Bariloche, con la que posteriormente presentaron otro espectáculo, El grosso concerto.
La abrumadora demanda de entradas de Les Luthiers en la Argentina hizo que en 2004, el conjunto buscara un lugar de mayores dimensiones para sus temporadas en Buenos Aires. Así, cambiaron al Teatro Coliseo, que fue su “sede” durante casi 30 años, por el Gran Rex, con capacidad para 3.300 espectadores (casi 1.500 más que el Coliseo). La reacción del público superó las expectativas: Ese año hicieron 43 funciones.
En enero de 2005, el grupo se presentó en el 45° Festival Nacional de Folclore de Cosquín, en la provincia argentina de Córdoba. Allí, 11.000 espectadores celebraron y aplaudieron el repertorio folclórico que Les Luthiers preparó para esa ocasión; fue otra función inolvidable para todos sus integrantes.

(info de la página web de les luthiers)

Un poco de estos genios para el fin de semana...

Música!

Como cada viernes, recomendamos algo de música para disfrutar el fin de semana.
Y hoy, nos enfocamos en una época maravillosa para cuarentones, cincuentones, sesentones, etc. pero además para todos aquellos "menores" que la ligaron de rebote porque estas canciones han permanecido inalterables al paso de los años.
Si, nos referimos a aquellos artistas y temas que acompañaron nuestra adolescencia y más, a través de su música bonachona, inocente, divertida... Ésas canciones reflejaban nuestras ganas de vivir a toda velocidad (pero con el cinturón de seguridad puesto, eh!). Éramos medio bobos, no? Es que había mucho más respeto por cosas que ahora ni siquiera se les pasa por la cabeza a nuestros chicos. Tal vez pensando un poco mejor uno pueda reconocer que esa falta de límites de hoy... también es culpa nuestra! Bueh, daría para un debate largo.
Pero tenemos todo el fin de semana para sentirnos cada uno Isidoro o Cachorra en Mau Mau disfrutando una vida sin problemas, sin culpas, sin horarios, sin más responsabilidad que volver a casa a una hora "decente" y saber que ante cualquier peligro, papá y mamá resuelven todo!
Quién pudiera volver a aquellas camisas floreadas, vaqueros pata de elefante. cinturones anchísimos, colgantes de todo tipo y para ellas: minishorts, capelinas, largas botas blancas o esas plataformas de corcho que se subían por escalera... ja ja. A su tiempo la moda reinventará todo otra vez.
Un poco de esa música para el fin de semana:
1- Rubén Mattos (Salta Pequeña Langosta - Que La Dejen Ir Al Baile Sola)
2- Los Iracundos (Puerto Montt - Va Cayendo Una Lágrima)
3- La Joven Guardia (Comprador de Amaneceres - El Extraño del Pelo Largo)
4- El Club Del Clan (Todo: Palito, Violeta, Lalo Fransen, Jolly Land, Johnny Tedesco, Nicky Jones)
5- Sergio Denis (Te llamo Para Despedirme - Cada Vez Que Sale El Sol)
6- Banana (Negra, No Te Vayas De Mi Lado - Conociéndote)
7- Industria Nacional (Un Día de Paseo en Santa Fe - La Tarde Que Te Amé)
8- Salvatore Adamo (Mis Manos En Tu Cintura - Un Mechón De Tus Cabellos)

9- Los Náufragos (Zapatos Rotos - Yo En Mi Casa Y Ella En El Bar)
Y mucho más, por supuesto: Raphael, Sandro, Rita Pavone, Leonardo Favio, Peret, Nicola Di Bari, etc, etc, etc.

Música!

Pet Shop Boys ha vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo. Desde 1986, 40 de sus singles han alcanzado el Top 20 y 22 el Top 10 en Inglaterra y está considerado como el mejor dúo en toda la historia de la musica Pop, no sólo por los éxitos obtenidos tanto en ventas y puestos en los charts de mayor prestigio del mundo sino también por su alto nivel compositivo y vanguardista en cada uno de sus discos y presentaciones en vivo.

Los Pet Shop Boys, no solamente componen para sí mismos, sino que colaboran frecuentemente con otros artistas tanto en la producción, composición y remezcla de temas. Una de las características mas elocuentes con la que se los puede identificar es la imagen que han sabido mantener por años y que han ido renovando a través del tiempo. Si bien en las primeras presentaciones no poseían un look muy definido, cuando empezaron a adquirir fama internacional y mayor protagonismo en la televisión, el dúo adoptó una imagen más acorde a sus personalidades individuales: Neil Tennant siempre vestido de manera elegante y sobria, mientras que su compañero Chris Lowe usando atuendos a la moda casual, con su eterna gorra de béisbol y anteojos de sol. Ya con la decisión tomada de los roles que cada uno de los integrantes iba a cumplir en Pet Shop Boys, Neil Tennant se colocó al frente mientras que Lowe se ponía en un segundo plano, mas silencioso y pasando casi desapercibido. Desde los primeros años en los cuales Pet Shop Boys adquirió notoriedad mundial, comenzaron a colaborar con prestigiosos artistas ya consagrados como es el caso de Liza Minelli, Dusty Springfield, Boy George, Blur, Suede, Kylie Minogue, Robbie Williams, David Bowie, The Killers, Yoko Ono, Madonna, Tina Turner.

Una mirada a esta música en el fin de semana...

Luis Aguilé 1936-2009

Cuando Salí de Cuba, Mi Pueblo Es Asi, Olvidemos El Mañana, Infiel, Señor Presidente, Hoy Es Tu Cumpleaños, Camarero Champagne, Declaración de Amor a Buenos Aires, Ven a Mi Casa Esta Navidad, Cartas de Amor, En El Amor, Embustero y Bailarín, Soy Laburante, El Frescales, Con Amor o Sin Amor, El Tío Calambres, Amor de Flacos... y tantas otras, impedirán que se te olvide.

John Lennon cumpliría hoy 69 años

A dream you dream alone is only a dream.
A dream you dream together is reality.
John Lennon.

Juan Carlos Mareco "Pinocho" 1926-2009

"Un día fui a Córdoba a trabajar, para un Instituto de niños ciegos (habrá cosas conmovedoras... ¡pero un chiquito ciego!) Los divertí lo mejor que pude. Los chicos me rodearon y se pusieron a cantarme, ellos a mí, canciones mías, de las primeras. Y yo lloraba. Ellos no me veían, claro. Cuando subí al ómnibus ya estaba convencido de que la misión mía era ésa: entretener a los que les hacen falta sonrisas".

Música!

Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos artistas que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los identifica. Hoy: Stevie Wonder.

Stevland Judkins nació prematuramente el 13 de Mayo de 1950, en Míchigan, EE.UU., lo que le provocó la ceguera por el tiempo transcurrido en la incubadora. Sus padres murieron cuando era niño. Fue adoptado y recibió un nuevo nombre Steveland Morris. Aprendió desde muy pequeño a tocar gran cantidad de instrumentos, destacando con el piano, la flauta dulce, las congas y la armónica.

Stevie Wonder es un notable cantante, compositor, productor discográfico, multiinstrumentista y activista social de su país. Recibió hasta el presente, 24 premios Grammy -récord para un artista en actividad- y pertenece al Salón de la Fama del Rock and Roll de los compositores famosos.

Wonder se ha convertido en uno de los más exitosos y reconocidos artistas internacionales con más de 100 millones de discos vendidos. Ha grabado diversos discos que fueron aclamados por la crítica y el público así como también ha escrito y producido para otros artistas.

Wonder toca diversos instrumentos como la batería, bajo, congas, y, más notablemente el piano, la armónica y todo tipo de teclados.

En 1962, a los 11 años, llegó al sello Motown de la mano de Ronnie White, uno de los componentes del archifamoso grupo The Miracles y Berry Gordy, presidente de la discográfica, lo contrató inmediatamente, Little Stevie Wonder, a causa de su virtusismo.

A los trece años de edad, el pequeño Stevie Wonder tuvo su primer éxito importante, Fingertips (Pt. 2), un sencillo de 1963 grabado en vivo en uno de los conciertos de los artistas de la Motown. La canción, que presentaba a Wonder como vocalista, con las congas y la armónica y a un joven Marvin Gaye en la batería, fue un éxito en los Estados Unidos y lanzó a Stevie al reconocimiento del público, demostrando que de «pequeño» no tenía nada.

Además de Marvin Gaye, Stevie Wonder fue una de las pocas estrellas de Motown en estar en desacuerdo con los métodos tradicionales de trabajo en las discográficas, es decir, artistas, compositores, y productores eran usualmente mantenidos dentro de cooperativas especiales y carecían de control creativo alguno. Wonder discutió con Berry Gordy sobre esto varias veces, sin llegar a ningún acuerdo por lo que Wonder dejó que su contrato expirara, abandonando Motown el día de su cumpleaños número 21, en 1971.

En los '70s, Stevie fue el primer artista en la historia en hacerse cargo de la grabación de prácticamente todos los instrumentos del disco, además de ejercer las tareas de producción, composición y arreglos. La década resultó gloriosa: de 1974 a 1977 Wonder ganó 14 Grammys incluyendo tres «discos del año» seguidos por sus álbumes: Innervisions, Fullfillingness first finale y Songs in the Key of Life, para muchos uno de los mejores discos de la historia.

Fue un periodo muy rico en creatividad y premios para Stevie, precursor en el empleo de sintetizadores y fuente de inspiración para los músicos venideros y de la época.

Wonder recibe los ochenta a ritmo de reggae con el hit "Master Blaster", en homenaje a Bob Marley, lo que le abre mercado a una audiencia más amplia. Además, realiza colaboraciones importantes como "Ebony and Ivory", junto a Paul McCartney y "Just good friends", junto a Michael Jackson, "That's What Friend Are For", con Dionne Warwick, Elton John y Gladys Knight, y recibe un nuevo Grammy por "We are the World". En 1984 lanza "The woman in Red", para la banda sonora de la misma película, consiguiendo un Óscar por la canción "I just call to say I love you".

Más recientemente, en 2007, realizó su primera gira en diez años por los Estados Unidos, que continuó al año siguiente por Europa, Canadá y Australia. Actualmente comparte su vida con la diseñadora de moda Kai Milla, que le ha dado dos hijos más, el último nacido en el 2005, el mismo dia de su cumpleaños. En total, Wonder es padre de diez hijos.

Una mirada a esta música para el fin de semana…

(Gracias amigos de internet por la data)

Música!

Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos artistas que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los identifica. Hoy: Fabiana Cantilo.

Nació en Capital, el 3 de marzo de 1959. Hija de Gabriel Cantilo y Silvina Luro Pueyrredón. Es sobrina de César "Banana" Pueyrredón y prima de Patricia Bullrich. Comparte el apellido con los cantantes Miguel Cantilo y María José Cantilo aunque sin parentesco directo con ellos.

Comenzó a hacerse conocida a través de las Bay-Biscuits, un grupo de rock-teatral que participaba en los shows de músicos de primer nivel como, por ejemplo, Serú Girán. Es así que conoce a Charly García que a su vez la vincula al grupo Los Twist de Pipo Cipolatti.

Al mismo tiempo, trabaja como coro de Charly García y asi conoce a Fito Páez, quien sería su pareja por varios años. Luego, se desvincula de Los Twist y en 1985 graba su primer disco solista: "Detectives".

En 1990 compuso con Charly García el tema: "Siempre puedes olvidar", incluído en el álbum: "Filosofía barata y zapatos de goma". Su trabajo más exitoso fue el disco: "Algo Mejor", editado en 1991. Con mayoría de temas compuestos por Fito Páez, ese trabajo tuvo amplia repercusión gracias a la canción: "Mi enfermedad", de Andrés Calamaro.

Su carrera continuó como vocalista invitada en los conciertos de García, Los Twist y Páez y hasta como telonera de Roxette, cuando el dúo sueco se presentó en Vélez. Después editó: "Información Celeste", doce temas que demuestran su crecimiento tanto personal como profesional. Su siguiente trabajo fue: "Inconsciente Colectivo", que recibió un Premio Gardel y fue nominado para el Grammy Latino, y que reúne grandes temas, cantados junto a dúo junto a Fito Páez, Daniela Herrero, Gustavo Cerati e Hilda Lizarazu. Este álbum de 2005 es un homenaje al rock argentino e incluye canciones de Spinetta, Divididos, Suéter, Charly García, Fito Páez, Los Redonditos de Ricota y Calamaro.

En el 2007 editó su CD solista: "Hija del Rigor". El 2008 fue un año ambivalente para la cantante, por un lado: "Hija del Rigor" le valió el reconocimiento de la crítica como uno de los mejores trabajos del rock argentino a cargo de una solista femenina y por el otro, cuestiones personales hicieron que deba ser internada en una clínica siquiátrica. Una vez dada de alta volvió a los escenarios con shows en la Trastienda y el ND Ateneo. Actualmente está preparando su nuevo trabajo discográfico titulado "En la vereda del sol", una continuidad de su exitoso "Inconsciente Colectivo".

Una mirada a esta música para el fin de semana…

(Gracias amigos de internet por la data)

S.B. 1960-2009

"Mierda", me dije. Volvió el frío y llueve. Parece que todo lo malo le pasa a uno. De pronto, descubrí que la realidad de otro es peor y entonces sonreí. Estaba solo pero esa sonrisa era para compartir. Como cuando estás con alguien de confianza y apenas un gesto lo dice todo. Sabiendo que el otro te entiende, claro. Esta vez, el otro no está más. Tal vez por eso la charla hacia adentro como conversando con él. De ahora en más será así. O acaso no era así en estos últimos tiempos...?. Cuando lo ví por última vez, me contó que se iba a Rosario. Problemas de guita, como siempre. Pero le dije que todos lo queríamos. Qué lástima que siendo tan buen locutor, le costara tanto hablar con sus amigos. Me dijo: "Me da verguenza!". Ojalá que se haya ido sabiendo que antes de esta pirueta de la vida ya le habíamos perdonado todo...
Sin querer, los incluí a todos en la charla, como contándole cómo sonreían con los ojos pícaros cada vez que alguien lo nombraba.
Binaschi era... no sé... un nene grande. Casi un hermano. O más. Siempre dispuesto a todo por el otro. Gran compañero y uno de esos "vivos" al que se le perdonaba todo. Lo digo más fácil: AMIGO. Tengo tantas anécdotas como cualquiera que lo haya conocido. Y me lo quedo en el corazón para siempre.
Lo último: Nacional, RPN, una mano de Lutteral y la vida que sigue girando como un trompo que no se sabe adónde va a parar. "Me siento mal", les decía a todos. "Me hago unos estudios y listo", le contó a Fabián del Monte. Después, lo irreversible. Fatal. Y un desandar de lamentos que lo fue consumiendo en apenas un mes. Murió ayer. Hoy, temprano, le fui a decir "Chau". Llovía y volvió el frío. No me vió ni me oyó. O sí ? Creo que si.
Uno es una suma. Nunca una resta. Por eso lo que se nos va no se pierde. Se agrega para siempre. Y nos hace más buenos y mejores. Chau, Ciego. Sos un grande.

(Aldo: gracias por la foto)

Música!

Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos artistas que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los identifica. Hoy: Elton John.

Sir Elton Hercules John CBE (Caballero del Imperio Británico) nació en Londres, el 25 de marzo de 1947. Cantante, compositor y pianista, su nombre completo y verdadero es: Reginald Kenneth Dwight.

A lo largo de sus más de 40 años de carrera musical, Elton John ha superado los 200 millones de discos vendidos y ha colocado más de 50 canciones en los charts del mundo, convirtiéndose en uno de los músicos de más éxito de todos los tiempos. Fue educado en la Royal Academy of Music gracias a una beca que consiguió a la edad de 11 años y que abandonó seis años después para dedicarse al rock. A partir de 1964 -tenía 17 años- comenzó a colaborar en el grupo Bluesology, donde conoció al cantante Long John Baldry. Como homenaje a él y al saxofonista Elton Dean adoptó el nombre artístico de Elton John.

A finales de los sesenta, Elton conoció al letrista y poeta Bernie Taupin. Juntos obtuvieron su primer gran éxito en 1970 con el tema: "Your Song". En 1971, logró colocar simultáneamente cuatro de sus discos entre los diez primeros en los charts de Estados Unidos, algo que no ocurría desde los Beatles. También en ese mismo año Elton empezó a desarrollar una galopante alopecia que le conduciría años después al uso de peluca.

Durante los años ’70 llegó su consagración como una auténtica estrella. Comenzó a actuar vestido con extravagantes disfraces y otros adornos característicos del glam rock usándolos en conciertos multitudinarios. En esa época tuvo grandes éxitos como Crocodile Rock (1972), Candle In The Wind (1973), Bennie And The Jets (1973) y Don’t Let The Sun Go Down On Me (1974). Entre 1972 y 1975, siete de sus discos llegaron a los primeros puestos de las listas de ventas británicas.

En 1975 participó en la película Tommy, dirigida por Ken Russell y escrita por Pete Townshend, guitarrista de The Who. Por aquella época escandalizo a la opinión pública con declaraciones sobre su homosexualidad. Al entrar en los ’80, dejó de lado temporalmente su relación con Taupin además de moderar su imagen y su música, haciéndola más melódica. Produjo nuevos éxitos como “I'm Still Standing” y Little Jeannie pero ya con menos frecuencia, y su vida privada vivió también algunos problemas.

Ya en los '90 le afectó profundamente la muerte por SIDA de un amigo suyo que sufría de hemofilia, Ryan White. Tras el funeral confirmó estar él mismo en tratamiento para superar su adicción al alcohol, las drogas y la bulimia. En 1992 fundó la Elton John AIDS Foundation, una de las mayores organizaciones no lucrativas para la erradicación del sida, a la que decidió destinar todos los beneficios de sus singles. Un Elton John renovado y más sobrio obtuvo un nuevo éxito en 1994 con su participación en la banda sonora de la pelísucla de los estudios Disney: "El Rey León" en colaboración con Tim Rice. Gracias a su participación en ese film ganó un Grammy y un Oscar.

El asesinato de su amigo Gianni Versace y la muerte en un accidente de tránsito de su también amiga Diana de Gales supusieron para Elton un fuerte golpe en 1997. Obtuvo un rotundo éxito con su homenaje a la princesa Diana, con una nueva versión del tema: "Candle in the Wind", que batió todos los récords y resultó ser el single más vendido en la historia de la música. Al año siguiente, 1998, fue nombrado Caballero de la Orden del Imperio Británico y después recibió un Grammy honorífico por su trayectoria musical.

En diciembre de 2005, Elton John formalizó su relación con su pareja de más de 12 años, el director de cine canadiense David Furnish, al entrar en vigencia la nueva ley británica de uniones civiles homosexuales. El certificado de boda revela un detalle inédito: el popular artista se llama realmente Hércules, además de Reginald Kenneth Dwight. Entre otros detalles, indica que Elton John se presentó como "músico", mientras que su pareja dijo ser "realizador de cine". Además, el famoso cantante declaró en los documentos del registro que en el año 1984 estuvo casado con Renate Blauel, ingeniera de sonido alemana, de la que se separó poco después del enlace.

En 2007, año en que festejó sus 60 años de vida y 40 de carrera artística, ocupó el sexto lugar entre los "Personajes Artísticos de Influencia Mundial", de la revista Forbes. Aquel mismo año, se editó un DVD Especial con su aparición en vivo en el New York Madison Square Garden (realizada el 25 de marzo, fecha de su cumpleaños).

Actualmente se encuentra de gira con su último disco y en recientes declaraciones durante uno de sus conciertos en Las Vegas (donde desarrolla el espectáculo: "The Red Piano") dejó entrever que no va a publicar más discos utilizando el nombre de Elton John.

John no tiene hijos pero sí, 10 ahijados. Entre ellos: Sean Ono Lennon, hijo de John Lennon y Yoko Ono; el hijo de la modelo y actríz Elizabeth Hurley, Damian Charles; los de David Beckham y Victoria Adams, Brooklyn y Romeo y la hija de Seymour Stein, fundador de la discográfica Sire Records.

Dentro del mundo de la música, Elton es conocido como "Sharon", un sobrenombre que le puso su buen amigo Rod Stewart. A cambio, John suele llamar a Rod como "Phyllis".

Una mirada a esta música para el fin de semana…

Pepe, gracias por tanta risa!

Hace 100 años nacía este inmenso payaso que acompañó la infancia de muchos de nosotros, esa inocente y tierna etapa de nuestra vida que -ya lejana- estaba llena de imaginación, sueños, cuadernos borroneados, manos sucias de inventar juguetes con cualquier cosa y el infaltable pan con manteca (con esa lluvia de azúcar que mamá nos ponía como premio inigualable). Y Pepe nos llevaba de la mano con sus gestos y nos arrancaba una risa franca, ruidosa, con esa impresionante capacidad de reunir a toda la familia frente a la tele y divertirnos con un humor tan inocente que hasta se hace increíble.

Nuestros hijos se lo perdieron... pero, se lo perdieron ? No. Creo que cada uno de nosotros supo (y sabe) recrear en algún momento de la paternidad, esos personajes maravillosos que él nos marcó a fuego en el alma.

Hoy, ante tanta barbarie desatada en la pantalla, se alza el recuerdo inalterable de este cómico con mayúsculas y nos arranca otra vez una sonrisa.

Hoy y siempre, Pepe, gracias por tanta risa!

"Los Artistas no mueren porque viven en el alma de su pueblo"

Música!

Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los distingue e identifica. Hoy: Whitney Houston.

Whitney Elizabeth Houston es modelo, cantante de R&B, pop y gospel además de actriz.

Nació el 9 de agosto de 1963 en la ciudad de Newark, Nueva Jersey y sin dudas es una de las más populares y famosas cantantes de las décadas de 1980 y 1990. Whitney recibió seis premios Grammy, varios American Music Awards, Billboard Music Awards, dos Emmys, un MTV Video Music Award y un MTV Movie Award. Lleva vendidos más de 120 millones de discos y 50 millones de simples en todo el mundo en estos casi 25 años de carrera.

Whitney influenció a una enorme cantidad de cantantes en su país, como: Christina Aguilera, Alicia Keys, Britney Spears, Jessica Simpson, Mandy Moore y otras tantas del resto del mundo. Es reconocida por su gran habilidad vocal, que heredó de su madre Cissy Houston, su tía Dionne Warwick y su madrina Aretha Franklin… nada menos!

Su primer disco salió en 1985. Tenía apenas 22 años. El álbum vendió cerca de 24 millones de copias en todo el mundo, 13 millones de ellas en Estados Unidos.

En enero 1991, cantó el himno nacional de Estados Unidos, en la vigésima quinta edición del Super Bowl, la final del fútbol americano, celebrada en Tampa, Florida. Esta interpretación fue posteriormente grabada debido a la demanda popular, siendo hasta hoy la única versión del himno americano que consigue ser un éxito de ventas y obteniendo el disco de platino. En 1992 hizo su primera incursión en el cine junto a Kevin Costner en la película “El Guardaespaldas”. Whitney grabó 6 nuevas canciones para la banda sonora, incluyendo una versión del tema de Dolly Parton “I Will Always Love You” con la que rompió todas las expectativas. Lanzado como single en noviembre, fue su décimo número uno en Estados Unidos llegando a ser el disco más vendido de 1992 en el Reino Unido y Estados Unidos, manteniéndose 10 semanas y 14 semanas respectivamente en ese puesto. Con el tiempo llegó a ser en uno de los simples más vendidos de la historia. Por su parte, el álbum vendió 35 millones de copias en todo el mundo en su primer año y más de 42 millones hasta ahora, convirtiéndola en la banda sonora más vendida en la historia de la música.

El 18 de julio de 1992, Whitney se casó con el cantante Bobby Brown y en marzo de 1993, Whitney dio a luz a una niña, llamada Bobbi Kristina. Whitney lanzó el álbum "Just Whitney" en diciembre de 2002, debutando en el número 9 de la lista de ventas de Billboard, mientras se encontraba en medio de una etapa turbulenta de su vida, relacionada con supuestos maltratos por parte de su marido y las drogas. La artista reconoció que consumía cocaína, marihuana y probaba todo tipo de drogas. Después de cinco días internada en un centro de rehabilitación de drogas en marzo de 2004, regresó en marzo de 2005 y permanció dos meses.

En Septiembre de 2006 la carrera y la vida de Whitney de cara la opinión pública da un giro radical. Después de especulaciones y notícias falsas Whitney reaparece junto a Clive Davis radiante y visiblemente muy recuperada. Los rumores cesan y la prensa vuelve a mostrarse amable con la artista. Sus representantes confirman la separación del matrimonio Houston-Brown.

En febrero de 2009, para cerrar la fiesta previa a la entrega de los premios Grammy, Whitney Houston, hizo gala de su plena recuperación, ofreciendo un mini-concierto al final de la velada donde demostró que su fuerza, belleza y voz, siguen en su lugar y recibiendo una tremenda ovación de parte de todos los presentes por su voz y por su presencia en el escenario donde no dejó de derrochar energía, haciendo un repaso de los mejores éxitos que tanto la han caracterizado a lo largo de su carrera.

De acuerdo con su sello discografico, la fecha oficial para su gran regreso y la salida de su séptimo album de estudio es el 1 de Septiembre del 2009.

Una mirada a esta música para el fin de semana…

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Música!

Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los distingue e identifica. Uno de esos creadores es: León Gieco, uno de los máximos exponentes de la música argentina y latinoamericana reconocido en todo el mundo.

Raúl Alberto Antonio Gieco nació el 20 de noviembre de 1951 en una chacra del norte de Santa Fe. Su familia se muda a Cañada Rosquín y allí comienza a trabajar a los 8 años y con su propio y bien ganado sueldo se compra su primera guitarra.

Comenzó entonces a presentarse en los actos del colegio y en un grupo de folklore: Los Nocheros. Paralelamente, se une a Los Moscos, una banda de rock, con la que poco a poco logran cierta popularidad en los pueblos cercanos. Hacían covers de Los Beatles y los Stones. En 1965, el grupo gana un concurso para presentarse en el Canal 5 de Rosario. Llegar a presentarse en esa ciudad era más de lo que habían esperado.
En el verano de 1969 viaja por primera vez a Buenos Aires, con su guitarra al hombro y casi sin dinero. Poco a poco comienza a relacionarse con el mundo de la música: Litto Nebbia y Gustavo Santaolalla. Es justamente el guitarrista de Arco Iris quien le consigue algunas presentaciones como telonero de Moris y Pajarito Zaguri.

En noviembre del '71 llega la primera presentación grande: el Festival B.A.Rock II y luego el "Acusticazo". De allí es la primera grabación de "Hombres de Hierro", uno de los temas más famosos de León. En diciembre llega la tercera versión del B.A.Rock y para marzo del '73 sale a la venta su primer disco, que había sido grabado con Santaolalla como producción independiente. El tema para las radios era: "En el país de la libertad". Poco a poco va logrando cierto éxito y se lo comienza a conocer como "el Bob Dylan argentino".
"La Banda de los Caballos Cansados", de 1974 es el título de su segundo álbum, que sigue la línea progresiva-folklórica del primero. Aunque, por la nueva separación de su banda, León sale a tocar como solista con su guitarra y su armónica ya que debía cumplir un contrato firmado para dos shows.
Por culpa de la censura, se le hace difícil editar su tercer LP: "El fantasma de Canterville" (1976), al punto de tener que modificar la la letra de seis temas y directamente eliminar otros tres ("La historia esta", "Tema de los mosquitos" y "Las dulces promesas"). Pese a todo, el material es muy bien recibido. León continúa con las giras por el interior, hasta que se aventura a Latinoamérica, a comienzos de 1978.

Otra vez escapando de la censura, se radica por un año en Los Angeles.

De su cuarto LP de 1978 sobresalen: "Cachito, campeón de Corrientes" y "Sólo le pido a Dios", el otro himno de Gieco, junto a "Hombres de hierro". En realidad, León no estaba muy convencido de incluir este tema, que lo encontraba "aburrido y monótono", pero finalmente siguió el consejo de Charly García y a partir de ese entonces León lo canta en el final de cada concierto.
En abril de 1981 se presenta en Obras para el lanzamiento oficial del disco recopilación "Siete años" de 1980, shows en los que también adelantó canciones de su siguiente álbum: "Pensar en nada" de 1981, el mismo año en que comienza su inmensa gira nacional que le demandará en total tres años. Fueron 450 presentaciones en todas las provincias argentinas y 110.000 kilómetros recorridos, para cantar frente a alrededor de 420.000 personas. Al terminar la travesía, decidió llevar al disco todos los ritmos característicos con los cuales se topó. Esta fue, sin dudas, su obra más importante, aunque no contó con la difusión acorde. Bautizada "De Ushuaia a La Quiaca", es ni más ni menos que el mapa musical argentino.
"Semillas del corazón" de 1989 marca su retorno a los estudios de grabación, tras ocho años de giras. El disco fue realizado como una producción independiente y en el que grabó con Sandro el tema "Mi amigo".
En agosto del '89 se presentó junto al legendario exponente del folk norteamericano Pete Seeger, en el teatro Opera, y ese material se editó bajo el nombre de "Concierto en vivo" al año siguiente. Seeger lo invitó para presentarse juntos en Washington, Boston y New York. A las funciones de la capital norteamericana se sumó David Byrne (líder de los Talking Heads), quien había conocido a Gieco en su visita a Buenos Aires, unos meses atrás.
Hacia fines de 1994 edita "Desenchufado", una ironía a la tendencia mundial impuesta por la MTV norteamericana de los Unplugged. En este caso se trató de una formidable re-make de los clásicos de León, entre ellos "El fantasma de Canterville", compuesto por Charly García para el cantautor. La presentación de este disco se realizó a fines de 1995, con Nito Mestre, Rodolfo García, Oscar Moro y los ex Oveja Negra como invitados.
"Orozco" de 1997 sorprendió con el hit bailable homónimo, cuya letra no contiene otra vocal que la "o". Sin embargo, además de ese tema, se incluyen otras canciones de extrema calidad, como: "Alas de tango" y "El embudo", un homenaje a la Patagonia para la cual prestaron sus voces Mercedes Sosa, Ricardo Mollo (de Divididos), Santaolalla, Ricardo Iorio (ex-Almafuerte y Hermética), Chizzo (La Renga), entre otros.
En junio del 2004, León fue nombrado Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires, en un acto al que asistieron Madres de Plaza de Mayo, organismos de derechos humanos, autoridades de la ciudad, familiares del homenajeado y artistas de la talla de Ariel Ramírez, Abel Pintos (ahijado artístico de León), Horacio Fontova y Piero.
En el año 2001 lanza una nueva producción; "Bandidos rurales", con letras fiel a su estilo que hablan de la situacion social y de los problemas que aquejan al mundo. Temas como "Idolo de los Quemados", "De igual a igual" y "La Memoria" sonaron en las emisoras y se incorporaron a su ya larga lista de grandes composiciones. Dos años despues lanza un disco en vivo con todos sus grandes éxitos, y en el 2005 reaparece con: "Por favor, perdón y gracias" que incluye como primer corte la cancion "El ángel de la bicicleta", un tema que cuenta la historia de Claudio Lepratti, alias Pocho, un muchacho de 35 años que vivía en Rosario, trabajaba en una escuelita de bajos recursos y colaboraba con un comedor infantil. En diciembre del 2001, en medio de la situación sociopolítica que vivía la Argentina, fue asesinado de un balazo en la garganta, mientras le pedía a la policía que no disparase contra el comedor donde él colaboraba, ya que adentro había chicos comiendo.
Este disco tambien se alzó con polemica ya que incluye la participación en uno de los temas del "Pato" Fontanet, líder de la banda Callejeros, imputado por la causa de la tragedia de Cromañon. "Por favor, perdón y gracias" incluye además versiones de temas de "Los Piojos" y "Los Tipitos". En 2006, León decide que es momento de repasar su historia musical desde 1991 hasta ahora. Es por eso que lanza "15 años de mí", un CD-DVD que incluye sus grandes clásicos más 3 bonus track, video clips, extras y "momentos especiales". Entre las novedades figuran el tema "Para la Vida", de la banda original de sonido de la película "Iluminados por el fuego", dirigida por Tristán Bauer; "Todos los Caballos Blancos" (en vivo teatro Opera 2005) y "El surco" (inédito-grabado en 2005).
En el año 2008 edita: "Por partida triple", un pack que muestra la esencia más pura de León, la del autor comprometido, la del músico que comparte y sobre todo la del ser humano cálido y sincero que desde sus ideales supo construir una carrera admirada por todos.

A través de 3 CDs, agrupados bajo los títulos "Rock", "Folclore" y "Rutas", desfilan colaboraciones, versiones y participaciones, en vivo y en estudio, con un amplísimo arco de músicos de diversos estilos, generaciones y países.

León es un artista notable y entrañable que se caracteriza por mezclar el género folclórico con el rock argentino y por las connotaciones sociales y políticas de sus canciones, a favor de los derechos humanos y la solidaridad con los marginados.
Una mirada a esta música para el fin de semana…
(gracias a los amigos de internet por los datos biográficos de LG)

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Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los distingue e identifica. Uno de esos creadores es Robbie Williams.

Algunos datos de RW: miembro del grupo juvenil Take That, a mediados de los ‘90 comenzó su carrera solista convirtiéndose en el artista británico que más discos vendió en la historia (55 millones de copias) y que mayor cantidad de Brit Awards consiguió (15 hasta ahora).

Entró en los Guinness cuando anunció su gira mundial de 2006 y vendió más de un millón y medio de tickets en un solo día. Fue elegido como el mejor artista de la década del ‘90. Y el más vendedor en América Latina. 6 de sus 7 discos son parte de los 100 álbumes más vendidos de Inglaterra y para comienzos de Noviembre está previsto el lanzamiento de su octavo álbum (Reality Killed the Video Star) y después se verá si se realiza la tan esperada reunión del grupo Take That (sobre todo esperada por sus ex-compañeros debido al éxito de Robbie).

Recordemos que se llevaban a las patadas.

De todas maneras, como solista, Robbie ganó 120 M de dólares y hace poco compró su mansión en 10 M de dólares aunque su intención sigue siendo la de radicarse en los EE.UU.

Pasa mucho tiempo en Los Angeles porque ama la privacidad y la libertad que dice tener en ese país.

Son conocidos sus problemas con el alcohol, las drogas, la obesidad, autoestima, depresión y el sexo. Aunque ganó varios juicios a publicaciones que lo habían tratado de homosexual, su sexualidad sigue siendo un misterio… alimentado por él, por supuesto.

Pero también es un ferviente interesado en los fenómenos paranormales. 2008 fue un año sabático en el que se dedicó al avistaje de OVNI. Declaró haber visto platos voladores tres veces. La primera cuando era chico en Inglaterra, otra ya adulto en Beverly Hills y la tercera, después de haber escrito una canción sobre un contacto del tercer tipo.

Le gusta el fútbol y es el mayor accionista del Port Vale, un club de la segunda categoría de la liga inglesa, de Stoke on Trent, donde nació.

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Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los distingue e identifica. Uno de esos creadores es Jorge Drexler.

Jorge es un cantautor uruguayo, nacido el 21 de septiembre de 1964 en Montevideo. Además de músico, compositor y cantante, es Doctor en Medicina, al igual que sus padres. Pero él además fue salvavidas, cantante de sinagoga y enfermero a domicilio.

Es padre de dos hijos, uno de cada uno de sus dos matrimonios: Pablo y Luca que nació a comienzos de 2009.

En 1991obtuvo uno de los premios del Primer Concurso de la Canción Nacional Inédita, realizado por la radio Alfa FM de Montevideo.

Fue telonero de Joaquín Sabina en el Teatro de Verano de Montevideo, lo que determinó que allá por 1995 se fuera a España para acompañar a Sabina en tres conciertos. Pero en vez de quedarse un mes, se quedó a vivir. Actualmente vive en las afueras de Madrid, pero graba sus discos en Montevideo.

La organización del evento de la entrega de los Premios Oscar decidió que el uruguayo no debía interpretar su canción hasta ese momento nominada en la categoría de mejor canción inédita para una película por su tema Al Otro Lado Del Río en el filme Diarios de Motocicleta debido a que Drexler no era una figura lo suficientemente conocida para el público estadounidense como para hacerlo. A pesar de no estar de acuerdo con esta decisión, Jorge aceptó las medidas tomadas y aclaró que este penoso incidente fue por parte de los organizadores del evento y no de la Academia. Durante la entrega, la canción fue interpretada por el actor antonio Banderas acompañado por el guitarrista Santana. Días antes, Drexler había mostrado su disconformidad por este hecho así que, cuando se acercó a recibir el premio en vez de dar el respectivo discurso de agradecimiento interpretó un fragmento de su canción a capella, obteniendo de alguna manera su revancha.

Además de Medicina, Jorge estudió música y llegó a grabar dos discos editados en cassettes que se lanzaron sólo en Uruguay. En 1995, gracias a aquella invitación de Sabina, conoció a otros importantes artistas españoles. En España grabó el álbum Vaivén en 1996 que contenía algunos temas ya incluídos en sus anteriores producciones uruguayas. Se mudó definitivamente a España donde lleva grabados cinco discos: Llueve (1998), Frontera (1999), Sea (2001), Eco (2004) y 12 segundos de oscuridad (2006). Aunque vive la mayor parte del año en España, sus tres últimos trabajos los hizo en Uruguay con músicos de ese país.

Su estilo combina los sonidos tradicionales del Uruguay: candombe, murga, milonga con la bossa nova, pop, jazz y la música electrónica. El resultado es original y singular, en el que las letras tienen un rol fundamental, hablando de amor, identidad, raza, religión a través de historias cotidianas y comunes.

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Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos artistas que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los identifica. Uno de esos creadores es Rod Stewart.

Roderick David Stewart nació el 10 de enero de 1945 en Highgate (Londres), en los últimos días de la segunda guerra mundial. Su familia es escocesa y él esel menor de cinco hijos. En su juventud y alentado por su padre, quería ser jugador de fútbol. Es fanático del Celtic de Glasgow. Incluso, jugó en las inferiores del Brentford pero sus ganas se fueron apagando al ver que no le llegaban contratos profesionales, así que abandonó esa ilusión y se dedicó a recorrer Europa con una guitarra. Entre sus destinos estaba España y después Saint Tropez en Francia, donde fue arrestado por vagancia ya que dormía en la calle o la playa y pedía dinero para comer. El cónsul británico lo hizo regresar a Inglaterra. En 1963, ya de nuevo en Londres, forma parte de varios grupos, entre ellos The Faces: que surge de los restos del Jeff Beck Group y los Small Faces. La banda estaba formada por Rod Stewart como cantante y Ron Wood en guitarra.

Muchos compraban los discos del grupo como si fueran discos de Rod y esto benefició a la banda hasta cierto punto ya que si bien por un lado los hizo famosos y ricos, por otro los perjudicó artísticamente ahogándolos, sin pretenderlo, bajo su fama. Alabado por los críticos, Rod empezó a prepararse el camino para saltar a la fama. Enseguida llegó un nuevo disco que preocupó a la discográfica Warner porque veía que las canciones de Rod como solista eran mejores que las que grababa con el grupo. Todavía perteneciendo a Faces, Rod alcanzó el éxito en su carrera solista cuando "Maggie May" se convirtió en 1971 en el mejor single del año.

Los siguientes discos en su carrera se siguieron vendiendo muchísimo y reafirmando a Rod Stewart como uno de los mejores cantantes de rock, aunque sus seguidores más fervientes se vieron privados de escuchar todo el rock que tanto gustaba en el principio. En 1988 edita el álbum "Out of order", cuya gira mundial de presentación lo trajo a Argentina por primera vez como artista ya que no se perdió el Mundial de 1978 alentando a su amada Escocia.

En 2000 Rod pasa por el quirófano para operar un cáncer benigno en sus cuerdas vocales. La operación fue un éxito y Rod pasó todo un año descansando y recuperando su capacidad vocal, cuya impronta mantiene inalterada. En estos años además, se dedicó a cumplir uno de sus sueños que era cantar los temas más representativos de la música americana, aunque sin perder su esencia roquera y su singular manera de interpretar los éxitos de otros. El 10 de abril de 2008, ante 20.000 personas y el 11 de Abril ante 35.000 en el Estadio de Vélez , Rod cantó nuevamente en nuestro país reafirmando su categoría de superestrella internacional.

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Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos artistas que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los identifica. Uno de esos creadores es Elvis Presley.

Elvis Aaron Presley nació en Tupelo, Mississippi, el 8 de enero de 1935 y murió en Memphis, Tennessee, el 16 de agosto de 1977. Como el primero y más reconocido cantante de rock de los EE.UU., ya es un ícono de la música popular del siglo XX, que además, inspiró a muchísimos cantantes de todo el mundo tanto dentro como fuera del Rock.

Considerado el Rey del Rock and Roll, también protagonizó numerosas películas, muchas de las cuales estuvieron consagradas a sus canciones.

A pesar de su muerte, sigue vendiendo discos y ha superado la cifra de los 1.000 millones de copias vendidas. La Revista Time lo eligio en 1999 como el Artista mas influyente del Siglo XX, en una encuesta mundial, superando a Los Beatles, Sinatra y Picasso, entre otros.

Con su primer tema para la RCA, consiguió el primero de los 18 números uno que tuvo en los Estados Unidos. Su modo de bailar, con aquellos movimientos pélvicos, resultaba escandaloso, aunque entusiasmante para los jóvenes. En algunos programas de televisión, como el Show de Ed Sullivan, sólo se lo enfocaba de la cintura para arriba.

Entre 1958 y 1960 estuvo ausente de los escenarios a causa del servicio militar que cumplió en Alemania. Allí conoció a la que después sería su mujer, Priscilla Ann-Beaulieu (Priscilla Presley). Su regreso fue espectacular, apareciendo en televisión como estrella invitada en el show de Frank Sinatra con quien cantó a dúo. Como la cadena televisiva ABC consideró el precio demandado por el Coronel Parker (su manager) muy elevado, fue el propio Frank Sinatra quien financió la presencia de Elvis en su programa. A pesar del elevado monto, la inversión dio resultado, especialmente al final de la semana cuando se anunció que los ratings televisivos del show en que había aparecido Presley habían roto todos los récords de audiencia ya que fue visto por 40 millones de personas.

Presley recibió 125.000 dólares por esa actuación, que duró unos diez minutos.

Sin embargo, en 1964 comenzó el descenso en la hegemonía que ostentaba en el mundo del rock, tanto a nivel de ventas como de popularidad.

Los '70 serían los años en los que Elvis pasaría de ser ser un gran ídolo a un mito. En julio de 1972 se separa de Priscilla, con divorcio definitivo en octubre de 1973. Esta situación le provocó un profundo estado de depresión del que nunca se recobraría. En 1973 realizó el primer concierto televisado vía satélite de la historia, desde Hawai: el show, conocido como Aloha From Hawaii, fue visto por un número estimado de 1.500 millones de personas.

También es en los setenta cuando los excesos en sus hábitos alimenticios y su dependencia a las drogas, deterioran drásticamente su salud, tanto física como mental. En repetidas ocasiones ingresa en el hospital. En 1973, Priscila Presley presenta la demanda de divorcio y consigue la tutela de su hija, Lisa Marie Presley. Su ex-mujer declaró que no podía seguir en el ambiente de soledad, insatisfacción, infidelidades que dejaba la estela de fama que rodeaba a su marido y culpó directamente al "coronel" Tom Parker por sus ansias de dinero y de llevar a Elvis por rumbos de decadencia. En la madrugada del 16 de agosto, Elvis regresa a su mansión de Graceland después de una consulta dental, durante la mañana se encarga de revisar los detalles de su próxima gira y descansa con su familia y amigos. Debe tomar un vuelo para Portland esa misma noche para seguir con la gira. Se retira a su habitación para dormir. A eso del mediodía, es encontrado inconsciente en el baño de su habitación, y trasladado urgentemente al hospital Baptist Memorial en Memphis, en el que poco tiempo después es declarado muerto.

Su estilo único de cantar, sus movimientos agresivos en el escenario, su carisma, y todas las demás cualidades son las que le permite seguir siendo de las mayores figuras musicales de la historia. Además de sus innumerables récords, la calidad en las canciones que interpretó es lo que sigue generando que las nuevas generaciones se sumen a las filas de sus fervorosos seguidores.

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Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos artistas que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los identifica. Uno de esos creadores es Aníbal Troilo, Pichuco.

Aníbal Carmelo Troilo nació el 11 de julio de 1914, en el barrio del Abasto. El mismo nombre completo que el de su padre que falleció cuando tenía 8 años. Fue él quien comenzó a llamarlo “Pichuco”. Desde chiquito ya tenía pasión por la música. El propio Pichuco confesó alguna vez: “el fueye me atraía tanto como una pelota de fútbol. La vieja se hizo rogar un poco, pero al final me dio el gusto y tuve mi primer bandoneón: diez pesos por mes en catorce cuotas. Y desde entonces nunca me separé de él”.

A los 12 años tocó en un cine del Abasto en un evento a beneficio y tuvo tanto éxito que el dueño lo metió en la orquesta estable de aquel Petit Colón. Era 1926. Durante la primera mitad de la década del ’30, estuvo junto a: Osvaldo Pugliese, Alfredo Gobbi, Elvino Vardaro, Julio y Francisco De Caro, Juan D’arienzo, Juan Carlos Cobián y Pedro Laurenz.

Su ascenso fue meteórico.

Los músicos que lo acompañaron en su carrera, siempre elogiaron su talento y el inmenso aporte que le hizo al tango. Pero además lo buen tipo que era y esa pasión que le ponía a cada cosa que hacía. Para muchos, un gran amigo. De enorme corazón.

Troilo cerraba sus ojos cuando tocaba o los abría muy grandes mirando hacia la nada. El lo explicaba a su manera: “cuando toco estoy solo… o con todos, que viene a ser lo mismo”.

Una de sus obras cumbres: "Responso", dedicado a su amigo el poeta Homero Manzi es uno de los tangos más brillantes de todas las épocas. Lo grabó pero se negaba a tocarlo en vivo. Lo hacía a pedido del público, pero se dice que sufría mucho cuando lo interpretaba.

Pichuco fue un melodista extraordinario y junto a las letras de Manzi, más aún se agigantan sus tangos. Inolvidables, por cierto: Barrio de Tango, Sur, Che Bandoneón y el vals, Romance de Barrio. Con Cátulo Castillo compuso: María, Desencuentro, La Última Curda; Garúa y Pa’que bailen los muchachos, con Enrique Cadícamo; Mi tango triste y Toda mi vida con José María Contursi. Pero hay más: Una canción, La Cantina, Yo soy del 30… Aunque siempre lamentó no haber compuesto con Discépolo, a pesar de haber sido tan amigos.

El célebre "Gordo", contó además con el genial Ástor Piazzolla como bandoneonista pero también lo eligió para hacer los arreglos de los tangos de la orquesta, aunque Pichuco siempre le recordaba a Piázzolla que: “la gente quiere bailar, no perdamos el baile, porque si perdemos la milonga, sonamos”. También fueron sus arregladores: Emilio Balcarce, Osvaldo Berlinghieri, Hector Stamponi, Ernesto Baffa, Julián Plaza y Raúl Garello.

Sus orquestas siempre tuvieron los mejores cantores: Edmundo Rivero, Roberto Goyeneche, Floreal Ruiz, Roberto Rufino, Francisco Fiorentino, Angel Cárdenas, Alberto Marino y también Nelly Vázquez y Elba Berón.

Fue el poeta Julián Centeya quien lo bautizó como “El Bandoneón Mayor de Buenos Aires” y nos dejó el 19 de mayo de 1975 en el Hospital Italiano, a causa de un derrame cerebral y sucesivos paros cardíacos. Tenía apenas 60 pirulos.

Entre tantas y tantas anécdotas que hay en referencia al gran Pichuco, destacamos ésta que lo pinta de cuerpo entero: cuando le ofrecieron ir a Tokio, donde los tangueros tenían mucho éxito con el auge del tango, dijo: «¿Para qué voy a ir a Japón si allá no conozco a nadie?».

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Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos artistas que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los identifica.

Los Beatles lanzaron toda su discografía en apenas 8 años, el período que va de 1962 a 1970. Pero no sólo editaron discos, prácticamente fueron el motor que cambió al mundo a través de sus canciones. Tanto ha sido y es lo que moviliza el cuarteto de Liverpool que aún hoy siguen generando noticias.

A ver: una empresa, que posee el primer contrato firmado por John, Paul, George y Ringo con su productor y manager Brian Epstein, lanzó una convocatoria para los fans que acierten el precio al que se subastará el documento. Para participar hay que pagar una pequeña suma pero el que adivine, se queda con el documento que vale –se dice- más de un millón de dólares. Estiman que con tanto fanático en internet, van a sacar más plata...

Oootro tema… un videojuego basado en el grupo saldrá a la venta en septiembre: The Beatles Rock Band es un juego musical que pone al jugador en la piel de cada uno de los componentes de la mítica banda que cuenta con millones de seguidores en todo el mundo. Éxito asegurado…

Y, por último: un póster de la portada del álbum Sargento Pepper de 1967 y firmado por los cuatro Beatles, fue la mejor venta que consiguió la casa de remates Christie's en la subasta de cultura pop. El póster, con precio estimado entre 30 y 40.000 dólares, fue vendido en 52.500 dólares.

Tengamos en cuenta que todas estas noticias son de estos últimos días. A las que podríamos sumar que a fines de los ’80 se completó la edición en CD de la discografía Beatle aunque sin los estándares que existen hoy en cuanto a calidad digital. Por eso, en septiembre, y después de cuatro años de trabajo, las grabaciones originales remasterizadas utilizando la última tecnología, saldrán a la venta de la mano de la Corporación Apple y la discográfica EMI.

Tantos recuerdos y momentos compartidos porque ellos han sido parte de la historia personal de muchos de nosotros, merecen que le dediquemos una mirada a esta música en el fin de semana…

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Michael Jackson

A los fans que querían algo más del gran Jacko, aquí va la traducción del Chart Beat de Billboard de la última semana de Junio, a cargo de Gary Trust:

Como fan de la música que lamenta la pérdida del Rey del Pop les ofrezco una edición especial del Chart Beat en su homenaje. A continuación algunos ejemplos del sorprendente dominio de Michael Jackson en las listas de Billboard.

NO. 1 DESDE EL PRINCIPIO: Jackson se encaminó hacia su reinado en el chart con el debut del hit de los Jackson 5: "I Want You Back" en el Billboard Hot100 el 15 de Noviembre de 1969, cuando Michael tenía sólo 11 años de edad. El grupo se convirtió en el primero en lograr posicionar sus cuatro ingresos iniciales en la cima del Hot 100: "I Want You Back", Ene. 31, 1970 (una semana en el No. 1); "ABC", Abril 25, 1970 (dos semanas en el No. 1); "The Love You Save", Junio 27, 1970 (dos semanas en el No. 1); "I'll Be There", Oct. 17, 1970 (cinco semanas en el No. 1).

Los Jackson 5 permanece como el único grupo que se inició con tanta fuerza. Desde entonces, sólo Mariah Carey, quien en 1992 reinó con su cover de "I'll Be There" empató (y hasta superó) el logro, cuando sus primeros cinco singles hicieron cumbre en el Hot100 entre 1990 y 1991.

REALMENTE EL REY: Michael Jackson sigue siendo el artista masculino con la mayor cantidad de No.1 en la historia del Hot100 de Billboard. Y qué tienen en común Jackson y el Hot100? Ambos están unidos prácticamente desde el inicio, ya que el primer Hot100 está fechado el 4 de Agosto de 1958 y Jackson nació 25 días después. Entre todos los artistas, solamente los Beatles (con 20 No. 1) y Mariah Carey (con 18) acumulan más triunfos que Jackson. Vamos a ver cuáles son los artistas masculinos con mayor cantidad de No. 1 en el Hot100: 13, Michael Jackson; 10, Stevie Wonder; 9, Elton John; 9, Paul McCartney; 8, George Michael; 8, Usher.

El ultimo líder que logró Jackson hasta la fecha se convirtió en la primera canción que ingresó al Hot100 en el No. 1: la balada escrita y co-producida por R. Kelly alcanzó la pole position el 2 de Septiembre de 1995.

DON'T STOP 'TIL YOU GET ENOUGH (No pares hasta obtener lo suficiente): "Thriller" permanece como el álbum de un solista con la mayor cantidad de semanas en el No. 1 (37, entre 1983-84) en los 53 años de historia del Billboard200. Solamente la banda sonora de "West Side Story"(Amor sin Barreras) tuvo una permanencia mayor (54 semanas, entre1962-63). Vamos a una revision de los álbumes que lideraron el Billboard 200 por más tiempo: 54 semanas, "West Side Story", Banda Original de Sonido; 37 semanas, "Thriller," Michael Jackson; 31 semanas, "Calypso," Harry Belafonte; 31 semanas, "Rumours," Fleetwood Mac; 31 semanas, "South Pacific"; Banda Original de Sonido.

"Thriller" también es el primer album que envió siete canciones al Top10 del Hot100 de Billboard: No. 2, "The Girl Is Mine"(junto a Paul McCartney), Enero 8, 1983; No. 1 (siete semanas), "Billie Jean", Marzo 5, 1983; No. 1 (tres semanas), "Beat It", Abril 30, 1983; No. 5, "Wanna Be Startin' Somethin'", Julio 16, 1983; No. 7, "Human Nature", Sept. 17, 1983; No. 10, "P.Y.T. (Pretty Young Thing)", Nov. 26, 1983; No. 4, "Thriller", Marzo 3, 1984.

Solamente otros dos artistas lograron cumplir los mismos objetivos. Bruce Springsteen con: "Born in the U.S.A." produjo siete Top10 entre 1984-86, así como Janet Jackson con su: "Rhythm Nation 1814", entre 1989-91. (Incluso Janet podría haber llegado a ocho ya que "State of the World" llegó al No. 5 pero del Hot 100 Airplay en Abril de 1991. Sin embargo, por ser un corte no editado como single comercial, no se le permitió integrar el Hot 100, según las reglas del chart por entonces).

Michael Jackson apenas se perdió de repetir la seguidilla de siete éxitos con “Bad", el álbum que siguió a "Thriller." Seis de los siete singles que dejó el disco alcanzaron el Top 10: "Another Part of Me" escaló hasta el No. 11. A pesar de todo, "Bad" se convirtió en el único álbum en la historia del Hot100 en sumar cinco No. 1: "I Just Can't Stop Loving You"(una semana), Sept. 19, 1987; "Bad" (dos semanas) , Oct. 24, 1987; "The Way You Make Me Feel" (una semana), Enero 23, 1988; "Man in the Mirror" (dos semanas), Marzo 26, 1988; "Dirty Diana" (una semana), Julio 2, 1988. Janet Jackson estuvo a punto de igualar esa marca: "Rhythm Nation 1814" logró cuatro No. 1, mientras que dos temas ("Rhythm Nation" y "Come Back to Me" se detuvieron en el No. 2.

ROCK WITH YOU: Además de su liderazgo en el Billboard Hot100 (con 47 ingresos), el de canciones Hot R&B/Hip-Hop, el Adult Contemporary y el Hot Dance Club Play, Jackson hasta se dió el lujo de alcanzar el chart de Álbumes Rock de Billboard tres veces durante la locura desatada por "Thriller". Gracias al trabajo de guitarra que aportó Eddie Van Halen, “Beat It" fue el que llegó más alto, escalando hasta el No. 14, en 1983.

El catálogo de Jackson encontró nuevos fans de varios géneros a lo largo de esta década. Rihanna con su "Don't Stop the Music", que contiene un sampleo de "Wanna Be Startin' Somethin'", le dió a Jackson el año pasado su mayor crédito como autor en el Hot100 desde "Remember the Time" en 1992 (ambos alcanzando el No. 3) mientras que, dos versiones de estilo rock lograron penetrar el Top40: Alien Ant Farm con "Smooth Criminal" fue No. 23 en 2001, y los Fall Out Boy con "Beat It", incluyendo a John Mayer, trepó hasta el No. 19 en Abril de 2008.

En el chart de la semana del 7 de Junio de 2008, David Cook y su version de "Billie Jean" pasó una semana en el No. 47 luego de su victoria en el "American Idol" y dejando a Jackson con su más reciente crédito autoral en el Hot100. (Como artista, la última aparición de Jackson fue la semana del 23 de Febero de 2008, cuando "Wanna Be Startin' Somethin' 2008," junto a Akon, ranqueó en el No. 99).

PERMANENCIA: "You Rock My World" pasó una semana en el No.10 del Hot100 de Billboard, la semana del 22 de Sept. 22 de 2001. A pesar de ser su único Top10 en el chart durante esta década, nos brinda aún mayor evidencia del estatus de élite que retiene Jackson en los charts tambien en el nuevo milenio. Al tiempo que la canción alcanzaba el Top10, Jackson se convertía en el único artista solista en colocar títulos dentro de los diez mejores en el Hot100 en cada una de las décadas del '70, '80, '90 y 2000 (y esto no incluye el paso del puesto 17 al 8 que consiguió con los Jackson 5 y el tema: "I Want You Back" en el último Hot100 de los '60, fechado el 27 de Diciembre de 1969). Aerosmith es el único otro artista (pero grupo) que consiguió Top10 en cada década desde los '70.

(Qué Genio!!!)

Música!

Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos artistas que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los identifica. Uno de esos creadores es Charly García.

Es: Carlos Alberto García Moreno. Nació el 23 de octubre de 1951. Está demás decir qué significa Charly para todos nosotros. Más allá de sus conocidas locuras, trasciende el artista inmenso que nos ha dejado innumerables canciones ya instaladas en el cancionero popular. Mientras hacía el secundario conoció a Carlos Alberto “Nito” Mestre; ellos dos y otros más formaron Sui Generis. Al poco tiempo, esos otros se fueron y el entonces dúo grabó 3 discos fundamentales para nuestro rock: Vida en 1972, Confesiones de Invierno en el ’73 y Pequeñas Anécdotas Sobre Las Instituciones, de 1974. Qué época, no ?

La separación llega en el ‘75, del que queda el registro del inolvidable recital de despedida: Adios Sui Generis. En 1976 graba con PorSuiGieco y casi enseguida forma La Máquina de Hacer Pájaros, un proyecto de corta vida que produjo dos discos: La Máquina de Hacer Pájaros (76) y Películas (77). Ya en 1978 y hasta 1982 crea y lidera una de las bandas más importantes de nuestro rock nacional: Seru Giran. Cinco discos, uno por año, con todo el éxito y el apoyo del público y la crítica. Serú Girán; La Grasa de las Capitales; Bicicleta; Peperina y No llores por mi, Argentina. Además, junto a él, crecían las figuras de Pedro Aznar, David Lebón y Moro.

Después y hasta hoy: solista. Gracias a la difusión de la música nacional por Malvinas, su disco Yendo de la Cama al Living tuvo un suceso enorme. Su banda ahora estaba formada por Willy Iturri, Gustavo Bazterrica, Cachorro López y Andrés Calamaro. Eran los tiempos de Inconsciente Colectivo, disco presentado en Ferro frente a 25 mil espectadores que disfrutaron a Charly llegando en un Cadillac rosado, con la puesta de Renata Schussheim y una lluvia de misiles que destruía la ciudad de utilería en el escenario, mientras sonaba No Bombardeen Buenos Aires. Aquel 26 de diciembre de 1982, Charly estrenaba: Los Dinosaurios.

Después, Nueva York en busca de nuevos sonidos y grabar Clics Modernos (83). Aquí aparece su gran amiga Fabiana Cantilo en coros. Siguió con Piano Bar, Demoliendo Hoteles y Raros Peinados Nuevos. Todos inolvidables discos de Charly ya por entonces consagrado ídolo del público argentino. Le siguen: Rezo por Vos (del disco trunco con Spinetta-85) y Tango del 86 con Pedro Aznar. En el ‘87 llega Parte de la Religión considerado por muchos como su mejor disco solista. En el ’88, Amnesty. Cómo Conseguir Chicas (1989), es un trabajo de recopilación de canciones sueltas que García, por diversos motivos, nunca había grabado. Después, y para poder lanzar su siguiente disco Filosofía Barata y Zapatos de Goma (1990), Charly debe someterse a juicio por "ofensa a los símbolos patrios" ya que ese álbum incluye una versión de nuestro Himno que, finalmente terminó no sólo siendo autorizada por los Tribunales sino adoptada prácticamente por todos.

Claro que desde principios de los noventa hasta hoy muchas cosas más sucedieron en su carrera, en su vida y en su relacion de amor y odio con él mismo y con todos nosotros pero es bueno recordar aquellos años del Charly que todos amamos. No porque queremos que vuelvan sino porque todo lo que dió nos alcanza y sobra para recornocerlo como a él más le gusta: un genio!

Una mirada a esta música para el fin de semana…

Serie de comentarios para "RadioRosario" que conduce Rosario Lufrano

de Lunes a Viernes de 06.00 a 08.30 hs en Radio América, AM 1190

Originalmente publicado en el blog del programa:

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Gracias Rosario!

Música!

Hoy nuestro recuerdo o punto de atención musical de cada viernes, se suma al homenaje merecido a Michael Jackson porque fue una persona de enorme estatura artistica y un verdadero creador: de un estilo, de una imagen, de un sonido y por que no, de una vida singular, signada por los más diversos acontecimientos.

Su vida privada atravesó absolutamente toda su historia pública al punto que comenzó a cantar a los cinco años y a bailar sobre un escenario desde los 8. Hasta ayer –tenía 50 años- estaba encarando su nueva gira mundial que, según él mismo esperaba, serviría para relanzarlo con éxito una vez más . No pudo ser. En días más se sabrá exactamente qué pasó. Quedará como lo que era en vida, un ícono de la música contemporánea o como él mismo se bautizó: “El Rey del Pop”.

Según el Libro Guinness de los records, Michael era en sí mismo un record: el artista más exitoso de todos los tiempos, 750 millones de discos vendidos en todo el mundo, el primer artista en ganar más de 100 millones de dólares en un año, 13 números uno en las listas de los EE.UU., 13 premios Grammy -que es el Oscar de la Música-, ídolo internacional por casi cuatro décadas.

2 matrimonios fallidos, 3 hijos y una historia de abuso infantil por parte de su padre que lo marcó para siempre y que tanto tuvo que ver en su desenvolvimiento como adulto. Inmensas fortunas ganadas y perdidas a una velocidad fulminante; hace poco perdió su inmenso rancho Neverland, aquel del zoológico propio. Así como en los ’80 compró y posteriormente debió vender los derechos por el uso de las canciones de Lennon y McCartney. Todas operaciones que involucraron millones y millones de dólares.

Pero, por otra parte, es uno de los pocos artistas que ingresó al Salón de la Fama del Rock... dos veces!

Nuestro homenaje a Jacko!

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MICHAEL JACKSON 1958-2009

Sin palabras... su música habla por él.

Música!

Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos artistas que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los identifica. Una de esas creadoras es Mercedes Sosa, o Haydee Mercedes Sosa, nacida el 9 de Julio de 1935 en San Miguel de Tucumán.

Conocida como “la Negra”, es considerada una de las mejores voces de todos los tiempos y no sólo aquí en su país sino en los principales centros musicales ya que Mercedes se ha presentado en los estadios y escenarios más grandes y prestigiosos del mundo.

Su voz es profunda y singular, además de su punto fuerte que es la potencia con que afronta los graves. Estas características, sumadas a su timbre oscuro y cálido y su perfecta entonación, la convirtieron en una de las voces más destacadas no sólo de nuestro folklore sino que le han permitido también, abordar con éxito, géneros tan dispares como el rock, el tango y el pop.

En 1950, a los quince años, ganó un concurso musical organizado por una radio de su provincia y la contrataron durante dos meses. Mercedes comenzó su carrera usando un seudónimo: Gladys Osorio.

Simpatizante de Perón en su juventud, apoyó las causas de izquierda a lo largo de su vida. Tras el golde del ’76 se quedó en el país a pesar de la represión y del hecho de que sus discos fueran prohibidos, hasta que en 1979, fue detenida en La Plata, en el mismísimo escenario y el público asistente arrestado. Se exilió entonces en París y después en Madrid. Volvió a la Argentina en 1982, poco después de Malvinas.

Tantos discos, tantos sucesos, tanta presencia a lo largo de estos años hace que no sea una exageración decir que “La Negra” resume toda nuestra identidad nacional en su voz.

Una mirada a esta música para el fin de semana…

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Música!

Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos artistas que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los distingue e identifica. Una de esas creadoras es Madonna.

Maria Louise Ciccone, 51 añitos muy bien llevados, recientemente visitó nuestro país con un éxito asombroso, es cantante, actríz, bailarina y empresaria.

Es muy conocida y referenciada por sus canciones en las que generalmente explora el simbolismo religioso, los temas sexuales y las relaciones controvertidas.

De allí que haya sido tan duramente criticada por el Vaticano en los años '80, pero a la vez, adorada por la comunidad gay de todo el planeta.

Además de sus discos, en 1992 fundó su propia discográfica MAVERICK, publicó un libro titulado SEX al que le siguió el álbum EROTICA y protagonizó la película BODY OF EVIDENCE (el cuerpo del delito)

Todo ello le significó una publicidad negativa que mermó su popularidad y provocó la consiguiente caída en la venta de sus discos. Igualmente su empresa descubría valores como Alanis Morissette que fué éxito de venta en los años '90. Musicalmente, Madonna revivió en 1998 a través del álbum RAY OF LIGHT.

A lo largo de su carrera, participó en 22 películas y aunque la mayoría de ellas no tuvo demasiado suceso, ganó un Globo de Oro por su labor en EVITA de 1996.

Casada y divorciada del actor Sean Penn, Madonna tuvo una hija Lourdes con su personal trainer Carlos León, además de otros dos con su pareja Guy Richie. Uno de esos niños fue adoptado en Malawi. Y por estos días está en busca de otra niña de ese rincón de Africa.

Es la Reina del Pop para muchos y una de las mejores artistas de todos los tiempos para otros. Pero lo cierto es que la industria discográfica de los EE.UU. certificó que Madonna es la artista que más discos ha vendido en ese país en el Siglo XX: 63 millones de copias. Y además, tiene el Record Guinness como la cantante más exitosa de todos los tiempos y la que más dinero ha ganado en el mundo: 490 millones de dólares y 200 millones de discos vendidos en todo el mundo. Por todo esto y porque en definitiva, quién alguna vez aunque sea no tarareó una canción de Madonna, bien vale una mirada a esta música en el fin de semana.

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